[08] Francesco Petruccelli


Artist Statement:

In his sculptural works Francesco Petruccelli reflects on what is traditionally the primary goal of a statue: the permanence of the sculpted subject, the everlasting memory of its form.

The trash represents to him the ultimate phase of entropy, the process that leads to the irreversible dissolution of everything; the trash has to be thrown away, because we cannot do anything else with it: a bag full of trash is a bag full of something that has definitively lost its form and utility.

By using materials related to trash Francesco Petruccelli creates statues which are the negative of the traditional ones: whereas the classical statues are made to keep the form of persons, thus claiming their presence even after their death, the sculptures of the artist are statues depicting the absence, the end of the meaningful form..And yet they have their own negative life.

The oxymoron of the presence of absence is also the theme of his stone sculptures: after having carved in detail a realistic figure of a body or a head, the artist negates its identity with informal interventions or by covering it with plastic, creating a new identity that exists only by virtue of its negation.

The pedestal is another central element in the sculptures of the artist: this object has always been  a real psychological support for a sculpture. Traditionally a statue is elevated by its pedestal and receives by it importance and a higher status than the one of the observer.

But what if the statue falls down from its pedestal, or sways on an impossibly high pedestal, which undermines its physical and almost moral stability? Or even: what if a pedestal becomes a surgery table, in which we observe like anatomical pathologists the death of a statue?

By overturning the meaning of the pedestal Francesco Petruccelli takes down the statue from its not human condition and he puts it in an uncomfortable, almost embarrassing situation, creating an aura around it, which is perceivable by the observer with awkwardness and affinity.

Untitled (2016), 150x110x30cm, plastic bags and wire

Francesco Petruccelli lebt und arbeitet in Berlin.

seit 2011 Student an der UdK: Lehramt mit Kernfach Bildende Kunst

1999-2010 Studium Lettere Moderne an der Università degli Studi di Milano
2001-2002 Erasmusstudent an der Freien Universität Berlin


Petruccelli, Spitzer, Stolt curated by Philippe Hostalery
Das Achimedischese Prinzip - Zentralstation - Kunst am Spreeknie, Berlin

Am Rand des Nichts – erstererster, Berlin
Was wir wollen, braucht ihr nicht – Neu West Berlin, Berlin

Kuboshow – Flottmann Hallen, Herne

Schau07 – Schauwerk, Berlin
Zentralstation – Kunst am Spreeknie, Berlin
Aufzug zur Chirurgie – Kunst am Spreeknie, Berlin

I like it RAW – Neurotitan, Berlin

UmWANDlung – Quergalerie, Berlin

Simposio di Scultura – Rocca di Montefiorino, Modena

Kontakt: f.petruccelli27[at]googlemail.com

[08] Shahed Naji


Artist Statement: 

My artwork is mostly with political context, coming from the Middle East where I worked on social development in marginalised communities using art as medium.

Currently working on different art projects related to migration.

Reise (2016), Lehm, Halogenstangen

Shahed Naji, a Lebanese artist and social activist living and studying in Berlin. Graduated as Masters in Stage/Set Design and Scenography from the TU, Berlin 2016.

[08] Tomas Espinosa


Artist Statement:

„Tomas Espinosa macht es uns nur auf den ersten Blick leicht. Wir meinen zu wissen, was wir sehen. Das sehen stellt uns eine Falle: Wir sehen auf Distanz. Wir analysieren das Gesehene mit Abstand. Doch die Arbeiten von Espinosa zielen auf Anziehung. Wir sind aufgefordert uns zu nähern, in Kontakt zu treten, zu berühren, in Beziehung zu treten.

„Ich verstehe meine Arbeit als Reflexion über Begegnungen und die Zeit, die wir dafür benötigen – Zeit zu berühren, Zeit zu sprechen, Zeit zu teilen ”, sagt der Künstler." {...} " °

Espinosa gestaltet seit 2009 wiederholt Installationen und Arbeiten mit Keramik und Spiegeln. Seine Installationen stellen häufig das Verhältnis von privaten und Gemeinschaft stiftenden Situationen in Mittelpunkt. Mit große Sensibilität für das soziale und emotionale Umfeld schafft er mit Mitteln der Plastik, Möglichkeiten, die zur Reflexion und zum Dialog anregen.

Tomas Espinosa ist in Bogotá, Kolumbien geboren. Er studierte Visuelle Kunst an der Pontificia Universidad Javeriana in Bogotá. Seit 2008 lebt und arbeitet er in Berlin, wo er 2010 sein Studium an der Universität der Künste (Udk) Berlin aufnahm. Dort war er von 2011 bis 2014 ein Student von dem dänischen Künstler und UdK Professor Olafur Eliasson und Teilnehmer an dessen Institut für Raumexperimente.

Er hat an Gruppenausstellung, Performances und Workshops in verschiedenen Länder teilgenommen, darunter „ Vitamin Space" (Guangzhou, China in 2014), Triennial of Architecture (MUDE Museum of Fashion and Desig. Lissabon,Portugal in 2013), Großes Feld ( Addis Ababa, Äthiopien in 2012) und „Festival of Futures Nows ( Neue Nationalgalerie, Berlin in 2014. Seine erste solo Ausstellung " Zwischen Uns" (2014) wurde in Entretempo Gallery in Berlin präsentiert. In 2015 würde er für den „Start Point Prize" in Prag, Tschechien nominiert.

(° Auszüge aus dem Text „Nachbarschaftsbeziehungen " von Christina Werner)



Meisterschüler Ausstellung Universität der Künste Berlin (Udk)
Kultur Forum. Berlin.

Startpoint Prize
National Gallery. Prague
Universität der Künste Berlin (Udk)
Galeria Compacta. Bogota

Festival of the Future Nows
Neu Nationalgalerie. Berlin
Zwischen Uns
Solo Exibition.Curated by Taina Guedes Entretempo Gallery, Berlin.
Project space Festival. Berlin
Model Behaviours
Curated by Judith Lavagna Instituto Cervantes. Berlin
Walk in Progress
Vitamine space. Guangzhou. China

Accidental Accomplishment
Institut für Raumexperimente. Berlin
Curated by Olafur Eliaason and Caroline Eggel Berlin
Spaces of intimacy
Trienal de arquitectura
MUDE Museum of fashion and design Lisboa
100° Grad Berlin
Hebbel am Ufer HAU. Berlin

Großes Feld
Institut für Raumexperimente Jan meda, Addis Ababa. Ethiopia
Addis Foto Fest
Addis Ababa. Ethiopia
Institut für Raumexperimente Tempelhof Airport. Berlin
Bunker Olafur Eliasson Berlin

Your boby of work
Institut für Raumexperimente. Goethe Institut. Sao Paulo
Lange Nacht der Bilder
Alte Gießerei. Berlin

Galerie Neu Schüle für Fotografie Berlin
La Sonrisa de Venus
Camara de Comercio de Mexico. Bogota.

Kontakt: info[at]tomasespinosa.com


[08] Erfan Aboutalebi


Artist Statement:

What I expect from my recent works is to confront the viewer directly with the act of seeing. I try to provide a situation, which can cause an awareness of the process of seeing and perception. Something the eye can playfully explore.

I usually use few materials, try to work slowly and avoid putting too much information in the work in order to keep the viewer focused. Although I work very detailed, I try not to distract the observer from the whole.  Exhibited objects are also usually familiar to the viewer in order to reduce any distance. I want the whole process of the work to be transparent and exposed. For example I choose diluted acrylic paint so that different layers of colour can be seen and tracked.

In the composition and installation I mostly consider how the work is seen form different angles and by distorting the light and perspectives I try to challenge the expectations of the viewer.  Questioning the way we observe.

poshtebum (2016), 50*55, Acrylic, Linen and Staple on Canvas 

Erfan Aboutalebi was born in 1989 in Hamburg, Germany

2007 - 2012 Studied Bachelor of Material Science in Tehran, Iran

Since 2014 Studying Visual Arts at University of the Arts Berlin

Group Exibitions:

2015 Rundgang, Universität der Künste Berlin
2015  Blender, Willner Brauerei
2016  Rundgang, Universität der Künste Berlin
2016 Since one day, State of art Berlin

Kontakt: erfan.ab.89[at]gmail.com

[08] Juliane Tübke


Juliane Tübke lebt und arbeitet in Berlin.




2011-2016: Universität der Künste Berlin, Absolventin Bildende Kunst
2014: School of Visual Arts New York, MFA program
2009-2011: Freie Universität Berlin, MA in Kunstgeschichte
2009: EMAU Greifswald und Università degli studi di Siena, BA in Kunstgeschichte und Kulturwissenschaften

Faksimile IV-XI-MMXVI (2016), 110x148 cm, Fotografie

Ausgewählte Ausstellungen und Projekte:

“Faksimile“, Absolventenausstellung Bildende Kunst 2016, Universität der Künste, Berlin
“Speed“, Helmholtz-Zentrum, Berlin
“Prozac“, Palais für aktuelle Kunst, Glückstadt
“Put your own weight“, Kreuzberg Pavillon, Berlin

“Let´s not disappoint each other …“, WBB, Berlin
„Rundgang“, Universität der Künste, Berlin
“tending“, tête, Berlin

“Hyperstimulus II“, Rundgang, Universität der Künste, Berlin
“Hyperstimulus I“, Open Studios, New York

“Aqua Cone“, Till Richter Museum, Buggenhagen
“Zero in the corner“, Universität der Künste, Berlin
„Doublings“, kuratiert von Gregor Schneider, Kunsthalle am Hamburger Platz, Berlin

„Rundgang“, Universität der Künste, Berlin

“Einwürfe zur Frauen-Fußball WM 2011“, Schwules Museum, Berlin

[08] Maria Naidyonova


Artist Statement:

I enjoy working with people. The subjects of my paintings are as a rule friends of mine & people who are close to me. I think that good human relationships are very important in order to make a kind of spiritual connection between an artist & a model. That helps to put some special life into the characters being drawn. Such work is always cooperation between two sides, the way of communication & of experiencing another person’s thoughts and feelings. That’s why our sittings take place in relaxed atmosphere.

1985 geboren in Kiew, Ukraine

2002 – 2007: Kiewer nationale Wirtschaftsuniversität; Abschluss mit Diplom über die Hochausbildung als Magister für Internationale Ökonomie und Europäische Integration.

2002 – 2007: Nationale technische Universität der Ukraine „Kiewer polytechnisches Institut“; Abschluss mit Diplom Bachelor der Künste.

2009 – 2011: Nationale Akademie der bildenden Künste und Architektur; Abschluss mit Diplom des Spezialisten als „Malereikünstler“.

2014 – heute: Kunsthochschule Berlin Weißensee, die Fakultät Freie Kunst, Fach „Malerei“.


2015 Galerie Kunstwerk Winkler, Berlin, DE

2014 On-line Ausstellung, Artfein Galerie, Berlin, DE
2012 Museum Pavlo Ticina, Kiew, UA
2012 „Art Mix” Galerie, Kiew, UA


2016 „Kunstmittenmang“, Lehrter Straße, Berlin, DE

2016 „KunstBoulevard“, Boulevard Berlin, DE
2016 „Under My Thumb“, Galerie Neu West Berlin, DE
2015 „Dezembersalon-2015“, Taube Galerie, Berlin, DE
2015 „Kuboshow“ Kunstfestival, Herne, DE
2015 „Cirrus & Capillatus”, Haus des Rundfunks, Berlin, DE
2015 „Soma“, Autohaus Heise, Dessau-Roßlau, DE
2014 „Dezembersalon-2014“, Taube Galerie, Berlin, DE
2013 „Dezembersalon-2013“, Taube Galerie, Berlin, DE
2013 Allukrainische Ausstellung „Malerische Ukraine“, UA
2012 Allukrainische Ausstellung an der Künstler Tage, UA
2012 Allukrainische Ausstellung „Western Ukraine“
2011 Internationale Pleinair-Ausstellung „Khust Art”, UA
2011 Allukrainische Ausstellung „Malerische Ukraine“, UA
2011 Teilnahme an Candice Breitz Projekt, UA
2011 Ausstellung zu Ehren V. Zoretsky, UA
2010 Allukrainische Porträt-Austellung, UA
2010 Ausstellung zu Ehren Kuindji, UA
2010 Ausstellung der Landschaften, UA
2010 Zeichnungausstellung zu Ehren K. Eleva, UA
2010 Ausstellung in Erinnerung an G. Skovoroda, UA


[08] Friedrich Weber Goizel


Ohne Titel (2014), 28 x 31,5cm, Pressspanplatte, Steckdose, Abflussstöpsel

Friedrich Weber * 1994 in Berlin, Deutschland

seit 2015: Studium Bildende Kunst, Universität der Künste Berlin, Fachklasse „Konzept, Raum, Medien“ bei Prof. Ursula Neugebauer

2014-2015: Studium Bildende Kunst , Hochschule der Künskte Braunschweig Grundlehreklasse „Bildhauerei“ bei Prof. Björn Dhalem


2015: Rundgang, HBK Braunschweig, Berlin, Deutschland
2016: Word is in fire, Neurotitan, Berlin, Deutschland
2016: Klaustrophilie Galerie Oqpo, Berlin, Deutschland
2016: Rundgang, UDK Berlin, Berlin, Deutschlnad
2016: Encounter, Deegar Plattform, Teheran, Iran


[08] David Mildner


Artist Statement:

Unsere Welt lebt in einer Form der Verblendung. Schafft sich eine Illusion durch eine Rosa-Rote-Brille, während sie ein Erdbeereis schleckt und dem eigenem Verfall zusieht.

Voyeuristisch nähert sich der Betrachter einer Ästhetik der Non-Ästhetik, in der auf den zweiten Blick etwas verstörendes und widersprüchliches das Empfinden dominiert.

Mir geht es nicht darum in erster Linie zu kritisieren, sondern zu hinterfragen und beobachten und am Ende etwas zur Diskussion zu stellen, das jedem genug Raum zur eigenen Interpretation lässt.

shining (2016), 130x130 cm, Öl auf Leinwand 

David Mildner (*1983) lebt und arbeitet in Berlin. 

2005-2009 Studium an der FHK Ottersberg, Diplom bei Jochen Stenschke

2015-2017 Studium an der UdK, Fachklasse Prof. Robert Lucander

Auswahl Ausstellungen:

- Galerie Gerken Berlin
- Stadtgalerie Werder (Havel)
- Konduktorownia (Polen)
- CCIS Agadir (Marokko)
- Galerie Rose Hamburg
- Kommunale Galerie Berlin
- Museum der Architektur Breslau
- Radio Kattowitz (Polen)
- Galerie Lonnes Bremen
- Index 10 Hamburg

Kontakt: mail[at]davidmildner.com 


[07] Robert Kilian


In seinen überwiegend großformatigen und abstrakten Gemälden schafft Robert Kilian eine dynamische Ordnung, die dem jeweiligen Werk trotz scharfer Kanten und klarer farblicher Abgrenzungen eine ganz eigene Harmonie und Kraft verleiht.

Untitled #8 (2014), 160x120cm, Acryl auf Leinwand
Untitled #8 (2014), 160x120cm, Acryl auf Leinwand

Untitled #4 (2014), 90x90cm, Acryl auf LeinwandUntitled #4 (2014), 90x90cm, Acryl auf Leinwand

Robert Kilian (*1982) lebt und arbeitet in Berlin.

Kontakt: r-kilian[at]gmx.de

[08] Chrisaleks


"Der künstlerische Prozess erlaubt es mir, in einem Spektrum Realität und Fiktion sowie Gegenständlichkeit und Ungegenständlichkeit aufeinander treffen zu lassen."

Chrisaleks (*1989 in Leipzig) is an artist with multi-cultural backgrounds and is currently working and living in Berlin Germany. She studied at the University of Arts in Berlin (UDK) and Central Saint Martins in London. While studying at UDK, she won the Anna Oppermann Prize. Chrisaleks is interested in different medium of art such as photography, painting, drawing and illustration.

In her world of art, the materials that she often used are common, mass-produced and extracted things from mundane lives of people in the product-diversified society. The society leaves its mark in many different ways. The combination of different materials and images and their clash create dynamic connections that convey playful irony. Mind games are the source of the formation of ideas. Especially in photography in the digital age one question related to the mind can be if the reality is (just) reality and what goes beyond that.

Reality seems fictitious and visionary yet its mysteriousness is preserved.

E-Mail: chrisaleks000[at]gmail.com
Facebook: www.facebook.com/chrisaleks/
Instagram: www.instagram.com/_chrisaleks_/

[07] Paco Höller


Im Herzen steh ich auf Rap und Karneval.
Das mit den Farben ist wohl eher Beiwerk.
Aber geht klar.                                Oder?

Paco Höller
Paco Höller

2009-2014 Bachelor der Agrarwissenschaften
ab 2013 Studium an der UdK - Klasse Favre
ab 2014 Master der Agrarökonomik

[07] Merlin Carter


My practice is focused on so called "physical culture" and how it has evolved over the last two centuries. Contained within  this project is an interest in spaces and technologies of work and how they have evolved over the last couple of centuries. Specifically, hwo workplaces have changed from hosting actives bodies engaged in physical labour to dockingstations for sedentary bodies. Bodies that instead become sites of intense cognitive labor. Bodies and minds that become extended through the“prostheses” of hardware and software. Linked to this thread is an interest incontemporary symptom of “disembodiment”. Within this frame, I examine the phenomenological experience of having abody and how we processes input from its sensory portals. In particular, I’m fascinated by the question of how this experience might differ from the experience of our ancestors. Equally intriguing is a type of contemporary nostalgia for“nature” and “the natural way” that is reflected in today’s physical culture. It is a nostalgia which the sports industry actively exploits and I investigate the visual language that they use to do this. My work uncovers tries to depict physical culture as reaction to disembodiment but also as a coping strategy for the spiritual vacuum left by passive atheism and materialism.

Merlin Carter
"Shrine to the primordial cyborg" (2015), mixed media Installation with two-channel video

The work "Shrine to the primordial cyborg" as an imagining of how the sideeffects of a spiritual vacuum bubble up in physical culture like Freudian neuroses. For example, the "Crossfit" movement offers a holistic solution for this problem that betrays a nostalgia for the tribal physicality and "Paleolithic" diets of hunter gather societies. Modern yoga offers the choreography of worship while being stripped of all obvious religious elements. In their marketing materials, sport shoe manufacturers tell a story of transcendence through suffering, through pushing your body to the absolute limit. Suffering that offers the glamour of a shamanic rite of passage or a protestant cleansing of sins, whilst adhering to the contemporary trajectory of continuous self optimization. The work is a pastiche of Christian altars and Pagan costumes, combined with aesthetics of the modern sport industry and digital culture. I wanted to create some hypothetical sport based rituals and rites of passage that give physical exercise some kind of higher symbolic meaning.

Merlin Carter

Merlin Carter

*1977, Auckland, New Zealand
Lives and works in Berlin, Germany
E-Mail: mcarter[at]gmail.com

Web: merlincarter.com


Berlin, Germany
2015-07 Graduated as Meisterschüler (master student) under Prof. Katja Strunz (Universität der Künste)
2014-02 Received Absolvent (diploma) with special distiction under Prof. Olafur Eliasson
2010-10 Joined Olafur Eliasson's "Institut für Raumexperimente"
2009-10 Started study at the UdK Berlin (Universität der Künste / University of Arts)

Auckland, New Zealand
1999 Received a Bachelor of Communications (majoring in multimedia) at the Auckland University of Technology

Selected Exhibitions

2014 "Model Behaviors", Instituto Cervantes, Berlin, Germany
2014 "Umwandlung", Class of Katja Strunz, Berlin, Germany
2014 "Walk-in-Progress", Vitamin Space, Guangzhou, China
2013 "Internet and Tacos", Hildesheim University, Hildesheim, Germany
2013 "Accidental Accomplishment", Institut für Raumexperimente, Class of Olafur Eliasson, Berlin, Germany
2012 "Grosses Feld", Jan Meda Sports Center, Adis Adaba, Ethiopia
2012 "The World Is Not Fair", Tempelhofer Feld, Berlin, Germany
2012 "Glasauge", Former Stasi Bunker, Virchowstraße, Berlin, Germany

[07] Lukas Liese


Lukas Liese studiert seit 2012 an der Weißensee Kunsthochschule Berlin Bildhauerei. Der Schwerpunkt seiner Arbeit liegt auf Skulptur und Installation. Meist wird dafür das Material Stein verwendet. Der Stein wird skulptural verarbeitet, mit anderen Materialien kombiniert, zu Staub zermalmt und durch die Luft geschleudert.

Lukas Liese
"It's a Match" (2014), Kalksandstein, 11x11x120cm (Foto: Janos Buck)

geboren am 07.02.1991 in München

2011 Juli/August Studium an der Internationalen Sommerakademie Salzburg unter Leitung von Hubert Maier und Knut Wold (Bildhauer-Klasse)
2011-2012 Studium der Architektur an der Technischen Universität Berlin
seit 2012 Studium der Freien Kunst im Fachgebiet Bildhauerei an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee
2014 Juli/August Studium an der Internationalen Sommerakademie Salzburg, Klasse Peter Niedertscheider (Bildhauerei)

2013 Wettbewerb gegen Diskriminierung an der Hochschule
2014 Stipendium des Skulpturenverein Rheinland-Pfalz e.V.
2015 Tibes Art Award, 1. Preis

Ausstellungsbeteiligungen (Auswahl)
2013 Wedding Moabit Kulturfestival
2013 UHU (Kunsthalle am Hamburger Platz)
2014 Belebung der Toten Winkel (Zeitraumexit Mannheim)
2014 Emotional Tracking (Freies Museum Berlin)
2014 Warschau-Weissensee Triennale (Berlin-Warschau-Express)
2014 Abschlussausstellung der Internationalen Sommerakademie Salzburg
2014 Skulpturenweg Rheinland-Pfalz
2014 Hurra das Meer (Kunstmuseum Ahrenshoop), Einzelausstellung
2015 Utopminia (Apartment Project Berlin-Neukölln)

2015 Hack your City/Raum und Gefühl (Dortmunder U / Infarm Berlin)
2015 Haut Niveau (Kunsthalle am Hamburger Platz)

2015 Rien ne va Plus (Süddeutscher Kunstverein/Reusten)
2015 active KHuB & Claim your fame (Galerie Neurotian Berlin)
2015 Art Figura (Schloss Schwarzenberg/Erzgebirge)
2015 Kunst im Labor (Fritz Haber Institut der Max Planck Gesellschaft)

[07] Gary Schlingheider


Gary Schlingheider wurde 1983 geboren. Er lebt und arbeitet in Berlin. Er studiert Bildende Kunst an der Universität der Künste Berlin in der Klasse des französischen Künstlers Gregory Cumins.

Gary Schlingheider
"Playground" (2015), Stahl und Lack, je 170x130cm

Sammeln, Sortieren, Vereinfachen: Das Hauptthema von Gary Schlingheiders Arbeiten ist die Reduktion von Malerei und Bildhauerei zu einem Minimum. 2015 entstand Playground. Die Arbeit besteht aus monochrom farbigen Stahlkonstruktionen. Auf den ersten Blick wirken die Rahmen skulptural, beinhalten aber zugleich alle essentiellen Elemente der Malerei – Struktur, Form und Farbe. Playground agiert mit dem Raum, dessen Grenzen und ermöglicht eine Auseinandersetzung auf vielen Ebenen. Gleichsam ist das Werk leicht zu erfassen, verspielt und bleibt offen für Anregungen und Veränderungen von außen. Demnach kann Playground auf verschiedenste Art arrangiert und gezeigt werden. Die Formwelt der Arbeit ist nicht konstruktiv, sondern eine Ableitung der Wahrnehmung und Beobachtung der Umgebung.


Gary Schlingheider
"Playground" (2015), Stahl und Lack, je 170x130cm

Gary Schlingheider was born in 1983. He lives and works in Berlin and is a fine arts student at The Berlin University of the Arts of French Artist Gregroy Cumins.

Collecting, sorting, simplifcation: The main topic of his work is the reduction of painting and sculpture to a minimum. 2015 the artist developed Playground. The artwork consists of monochrome steel constructions. At first glance, the framework appears to be sculptural, yet also consist of all elements essential to paintings - structure, form and colour. Playground interacts with the space, its boundaries and enables multi-leveled interpretations. Simultaneously, the work is easy to grasp, playful and open to suggestions and changes from the outside. Hence, Playground can be arranged and showcased in a multitude of ways. The form of the artwork is not constructive, but a deflection of perception as well as an observation of the environment.



[07] Francesco Petruccelli


Francesco Petruccelli studied Lettere Moderne for more than ten years in his hometown Milan and Berlin. In that long period of his life he did plenty of experiences not very related with his studies: besides, he did civil service and became a cameraman and filmmaker. Nevertheless, he graduated with a thesis about the shamanistic ecstasy due to the impression of the encounter with the primitive cultures of Congo and the hell that is Haiti in the film business.

While still studying and filming, as the camera started to seem to him a too objective and neutral mean of expression, he started also to draw and paint by evening painting courses.In 2011 he started his studies at the University of the Arts in Berlin, where he lives and works.

Francesco Petrucelli
Francesco Petruccelli at work


seit 2011 Student an der UdK: Lehramt mit Kernfach Bildende Kunst
1999-2010 Studium Lettere Moderne an der Università degli Studi di Milano
2001-2002 Erasmusstudent an der Freien Universität Berlin

Ausstellungen und Filmfestival

2010 Corto Galp - Padova
2010 Open Air Gallery - Berlin
2011 Cupa Fimfestival - Ancona
2011 Foggia Filmfestival - Foggia
2011 I've seen films - Milano
2012 - Hanseart - Bremen
2013 Simposio di scultura - Gulp Arte, Montefiorino (Modena)
2014 Umwandlung - UdK, Berlin
2014 I like it raw # FAK - Neurotitan, Berlin
2015 Zentralstation - Schöneweide Art Festival, Berlin
2015 Aufzug zur Chirurgie - Schöneweide Artfestival, Berlin

[07] Dana Kirijak


Dana Kirijak lebt seit 2010 in Berlin und studiert Malerei an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee.

Kontakt: dana.kirijak[at]gmail.com

Dana Kirijak
ohne Titel (2015), Kohle, Ölpastell und Kreide auf Papier, 275 x 275cm

[07] Maja Zagorska


My main technique is drawing. I started with very simple, small, figurative illustrations, that were a reflection of my everyday life.
Studying journalism left an interest in words , which i often use in my work. In my illustations words are used in a narrative way, telling stories about my life, my struggles and my emotions. Lately my work evolved into bigger , abstract pieces. The size of my work changed my approach, which went from more conceptual to very intuitive. Working with big formats made my process much more physical, concentrated on movement and emotion. I am still incorporating words into my pieces, but in more deconstructed way. Process is the most important part of my work. I let my body and my emotions decide what will be my next step.

Maja Zagorska
Maja Zagorska

1990 in Zgorzelec, Polen geboren
2009-2012 Universitaet Beslau, BA, Journalismus
seit 2014 Kunsthochschule Weißensee - Schwerpunkt: Visuelle Kommunikation


2015 "Fresh Legs" - Gruppenausstellung, Galleri Heike Arndt, Berlin
2015 "Mix" - Gruppenausstellung, Das Gift, Berlin
2015 "Enigma" - Gruppenausstellung, Galleri Heike Arndt, Berlin

Kontakt: maja.zagorska[at]gmail.com






[06] Tim Wulff


Die Videoarbeit „White River“ von Tim Wulff arbeitet mit Aufnahmen des Indischen Ozean und des
Atlantischen Ozean. Die beiden Ozeane werden von ihm verschmolzen, indem die einzelnen Aufnahmen auf
eine Plexiglasplatte projiziert werden und sich dort verbinden. Dazu zeichnen sich die beiden Ozeane durch
eine unterschiedliche Färbung aus, die von ihm zu etwas Neuem, eigentlich unnatürlichem verändert wird.
Tim Wulff umgeht den natürlichen Treffpunkt der Ozeane, dem Kap Agulhas in Südafrika und macht dadurch das nicht sichtbare Zusammentreffen sichtbar. Im Aufbau wird die Arbeit von ihrem Originalton begleitet, der beide Ozeane einschließt und an „white noise“ (Weißes Rauschen) erinnern soll, welches auf das menschliche Gehör eine betäubende Wirkung hat. Das Rauschen der Ozeane erinnert daran und zeigt ebenfalls eine betäubende oder beruhigende Wirkung.

Tim Wulff (*1990) lebt und arbeitet in Berlin


White River
White River, Video Installation (zwei Projektoren, Plexiglasscheibe), 2 min loop, variable Größe

seit 2010
Universität der Künste bei Christiane Möbus
2013 – 2014
Det Kongelige Danske Kunstakademi København bei Thomas Locher

Nov 2013
Dossier N°zero, Atelierhof Kreuzberg, Berlin
Mai 2014
Camp Auszeit, Immergut Festival, Neustrelitz
Jun 2014
Jul 2014
hortus semper virens – Christiane Möbus und ihre Klasse, Haus am Lützowplatz, Berlin
Aug 2014
Mindscape Universe, Gallery Vincenz Sala, Paris

Stipendium der Studienstiftung des deutschen Volkes


[06] Tulino


Isabella Fedele (*1983)




Accademia di Belle Arti di Lecce (Universität der Künste, Lecce, Italien)
Diplom-Abschluss in Dekorationskunst (summa cum laude)
Spezialisierung in Radierungstechniken

Laboratori Liberi di Paolo Fraternali Urbino (Unabhängiges Radierungslabor)


Photographie-Workshop mit zeitgenössischen Künstlern, Corigliano Calabro

Liceo Artistico, Lecce (Kunstgymnasium)


interdisziplinaeres Performance-Projekt 'Santa Cultura'

Ausstellung 'Open studio' Weissensee ECC

Workshop 'Papier selber machen' im Laboratori Liberi, Venedig, Italien.

Workshop Radierung, Siebdruck, Xilografie im Laboratori Liberi, Venedig,  Italien

2011- 2012
Ausstellungen 'Tulino in mostro' in der Marheineke Markthalle, Berlin, Deutschland

Ausstellungen im House Of Clouds, Berlin, Deutschland

Ausstellung internationaler Künstler, ehemalige Kindl-Brauerei, Berlin, Deutschland

Austellung “Trasfigurazione dei Volti”, Caffé Letterario, Lecce

“Emergenza in Campo” jährliche Kunstveranstaltung mit Sergio Nannicola

Videopräsentation „Voglio morire giovane“ (Ich will jung sterben)

Performance und Radierung, Workshop “Vasi e Travasi” in Salento (Italien)

Performances mit Francesca Speranza


[06] Alexander Skorobogatov


Alexander Skorobogatov selektiert und verbildet Bilder aus einem großen Archiv, wie einen Puzzle, bis sich eine Andeutung oder eine Möglichkeit einer Arbeit herausbildet. In seinen Arbeiten geht es um Voyorismus, Begierde, Schönheit und Sex.  Leichte und rohe Perversität in anmutender Zärtlichkeit, wie ein Flüstern, welches eine verborgene Fantasie des Betrachters wecken könnte, oder auch nicht. Vor allem aber geht es um Malerei.

... Mann müsste hier und da die Äste mit den dicken Blättern zur Seite schieben, um mehr zu sehen. Dieser Akt, Licht in die Geschehnis zu bringen, aufzudecken und zu sehen, was die Blätter im Verborgenen halten, ist an und für sich erotisch. Im Japan des 9. Jahrhunderts war “kaimami”, was Hindurchschauen bedeutet, ein beliebtes Versteckspiel. Man spähte durch Spalten und Öffnungen in der Hoffnung, eine bezaubernde, womöglich nackte Silhouette zu erhaschen. Und in China stellten solche Spalten oder Löcher Fallen dar - sobald der Neugierige durchspäht, wird ihn von der anderen Seite eine Nadel erblinden...


Alexander Skorobogatov
"Ohne Titel", Öl, Ölpastel, Sprühlack auf Nessel, 60x45cm, 2014


1983 born in Nadym, Russia

1996 moved to Berlin

2008 - 2011 studied at the Academy of Fine Arts Mainz

2011 - 2014 at the Berlin University of the Arts (UdK)

2012 Absolvent at the Berlin University of the Arts (UdK)

2012 Fine Art at Central Saint Martins College

2014 Meisterschüler at Robert Lucander, Berlin University of the Arts (UdK)

he lives and works in Berlin


since 2010 Cusanuswerk

Exhibitions (selection):

Aufstand im Schlaraffenland - Alte Börse Marzahn, Berlin
SCHAU06 - Malzfabrik, Berlin

Mal wieder Freitag der 13. - The Idling Gallery, Berlin

umwandlund - UDK Quergalerie, Berlin

Мои друзья-художники - Совместное Существование, Sankt-Petersburg

Self-Titled Space - Park, Tilburg (NL)
Kammerflimmern, Kammermusiksaal Fridenau, Berlin
Quer - UdK, Hardenbergstr. 33, Berlin
Nachschlag - Uferhallen, Uferstraße 8-11, Berlin
Agora Collects - gora, Mittelweg 50, Berlin


Draw the Line - Liebkranz Galerie, Berlin

III Moscow International Biennale for Young Art "Qui Vive?" - FLACON, Moscow

SOS Kunststück 2012,  ADAC Zentrale, München

Bruderkuss - Liebkranz Galerie, Berlin
Sammlung Wobst - SOX, Berlin


JungArt - Alte Münze, Berlin

The show must go on - hbk, Saarbrücken 

Sommerloch - Lexloc.I., Berlin

17 Tage danach - 129 Galerie, Berlin

Veilchen - Uferhallen, Berlin

Театр абсурда - Atelier Zukunft, Mainz

Step in the Arena - Eurobahnhof, Saarbrücken

Junge Talente - Rheingoldhalle, Mainz

Cusanuswerk, 19 Auswahlausstellung - Hamburger Bahnhof ev, Hamburg

Ding-Dong - Museum Gosz, Saarbrücken


[06] Jaqueline Sattler


Studiert seit 2010 Bildende Kunst an der Universität der Künste Berlin. Aus der Malerei kommend, heute vordergründig Video und Sound zugewandt. 

Die gezeigten Sound-Arbeiten entstanden dieses Jahr während eines längeren Aufenthaltes in Helsinki.

Jaqueline Sattler  

[06] Johanna Landscheidt


Johanna Landscheidt, wurde am 27.01.83 geboren und wuchs in Berlin auf. 2014 absolvierte sie ihr Studium der Bildenden Kunst an der Universität der Künste Berlin als Meisterschülerin. Sie lebt und arbeitet in New York und Berlin.


Johanna Landscheidt
"Ohne Titel II", 2013, Erde, Grassamen, Nylonstrümpfe, 100 x 40 x 18 cm

Die Vergänglichkeit und ihr Verhältnis zur Schönheit ist ein immer wiederkehrendes Thema meines Interesses. Fokussiert wird die Rolle, die Vergänglichkeit in unserer modernen westlichen Gesellschaft einnimmt. Im Mittelalter und der Kunst der Renaissance erinnerten Bilder von vergehenden Früchten und Fleisch den Betrachter an seine eigene Vergänglichkeit. Unsere heutige Gesellschaft, welche überflutet ist von allen möglichen medialen Bildern, feiert die Schönheit überreichlich. So schließe ich mich der Argumentation an, dass die moderne Konsumkultur mit ihrer Fixierung auf die Jugend und die Schönheit - im Kontrast zur Kunst vergangener Epochen - versucht den Tod zu maskieren und ihm zu entfliehen. Ich versuche die inhärente Beziehung von Schönheit und Tod - die in unserer modernen Kultur getrennt erscheint - zu verbinden.

[06] Yuni Kim


geboren 1984 in Busan, Südkorea 
lebt und arbeitet in Berlin seit 2010


Yuni Kim
Wie ich bin, Wie du bist (2014)


ab 2011 Studium an der UdK Berlin in der Grundlehre
seit 2012 Studium an der UdK Berlin in der Klasse von Leiko Ikemura


2012 im Kunstraum Bethanien in Berlin, Ausstellung “KI”

2014 im Kunstraum Bethanien in Berlin, Ausstellung “Love, Aids, Riot, Sex”

2014 im Streichholzmuseum Jönköping, Sweden, Ausstellung “IF IT FIT”

2014 in der Gallerie Wedding “Ab sofort: zwei Zimmer möbeliert”

2014 im Haus am Kleistpark  Ausstellung “Homo Ludens” der Nominierten zum 12. Kunstpreis des Bezirks Schöneberg-Tempelhof

2014 1. Platz beim 12. Kunstpreis des Bezirks Schöneberg-Tempelhof




[06] Rafael Ibarra


*1986 in Mexiko Stadt, Mexiko

Artist Statement:

Das Spielen mit unseren Wahrnehmungsfähigkeiten ist die Basis, auf die ich meine Arbeit baue. Mich interessiert, den willkürlichen Charakter unseres Wahrnehmungsvorgangs erfahrbar zu machen. Das Sichtbarmachen der Realität als subjektive Konstruktion bietet uns, meiner Meinung nach, die Möglichkeit die Empfindung unserer Welt bewusst zu beeinflussen.


Rafael Ibarra

Ausbildung, Gasthörerschaften:

Gaststudent Institut für Raumexperimente, Prof. Olafur Eliasson.

Student an der Klasse des Professors Gregor Schneider, UdK.

Student an der Universität der Künste, Berlin.

Privatschüler des Malers Saúl Villa Malls.


"Sky message", Autonome Universität von Mexiko Stadt (UACM), Mexiko Stadt.


Rundgang der Universität der Künste, Berlin

Accidental Accomplishments, Olfaur Eliasson's Class (Institut für Raumexperimente), choreographed by Christina Werner and Eric Ellingsen, Berlin

Encuentro nacional de Arte Joven, (Nationale Tagung für junge Kunst) Aguacalientes, Mexiko

Cero in the Corner (Rundgang 2013), Lewandowsky Class, Berlin

Doublings, Kunsthalle am Hamburger Platz, curated by Gregor Schneider, Berlin

Deutscher Jugensfotopreis, Photokina, Köln, Deutschland

"Franzisca Jordan, Rafael Ibarra", Galerie Gerken, Berlin

"Neue Klasse", Klasse des Prof. Gregor Schneider in Zusammenarbeit mit der KLasse des Prof. Christian Jankowski, Berlin

"Bridges and barriers rettet Berlin", Ausstellung der Klasse des Prof. Thomas Zipp, UdK, Berlin

"El olor de tiempo abonado de versos", Festival "FOTOSEMPTIEMBRE", Koloniales Museum von Taxco Guerrero, Mexiko

"24 horas una linea en la ciudad", Centre civic convent de Sant Agusti, Barcelona, Spanien



Ausgewählt für die Nationale Tagung für junge Kunst (Encuentro nacional de Arte Joven), Aguascalientes, Mexiko

Preisträger, Deutscher Jugendfotopreis, Kategorie "Imaging"


Ausstellungskatalog "Franzisca JOrdan, Rafael Ibarra", Galerie Gerken, Berlin

Studentisches Magazin der Universitöt der Künste Berlin, "Eigenart N.75 Zugang"


[06] Sarah Gries


lives and works in Berlin

I paint. I do installations with paintings. What is a painting and what is the value of Art? Is a painted canvas more valid than a beautiful towel? Why?
I open up a room for questions and thinking.. to overthink the meaning of Art. Does Art need to be detroyed before it can renew itself? Is now the time or is it all over? Does Art exist? A painting is a person. It chooses were it wants to live and with whom. It has the force to create and determine its surroundings. I try to ask myself as many questions as possible. Without having the aim to find a final answear, but to work and live through a process of beeing truthful to my work, myself and everyone around me, without pretending that I am an Artist. I do what I do.I paint. And I do installations with paintings.

Sarah Gries Profil



[06] Lilli Elsner


Das Bildformat ist immer 1,83 x 2,45.
Die Hirsche schimmern gelb und rot. Sie stehen bis zu den Knien im fließendem Wasser.
Wie sehen die Wolken aus?
Ich habe es nicht mit Absicht gemacht, wenn sich die Linien hinten reimen - es malt sich dann von ganz allein.
Keinen Fingerbreit zurückweichen. Weg von Zuhause.
Das Gewicht der einzelnen Farben gibt mehr und mehr nach.
Wenn das Bild brennt, nie löschen.

Lilli Elsner

Lilli Elsner


Lilli Elsner, geboren 1993
Udk  2012
Atelier Wachow seit 2012

[06] Johannes Bünemann


Geboren in Berlin, Studium an der Universität der Künste.

"Ohne Titel", Silbergelatineprint, 180x127cm, 2014


Schallwand, tiefes Tal, aufgefüllt mit Bass,

an den Hängen, auf den Höhen,
wächst eisenhartes Gras.

Graue Brocken, klumpenhafter Klänge wie Meteoriten,
stürzen steil in die Schlucht,
deren Herkunft sie errieten.

Schattenflächen kleben an den Wänden,
hängen in der Luft,

Dezibel das Wort was man von dem Gipfel ruft.
Hundertmal knallt darauf das Echo zurück,
das ist Schalldruck, das ist kein Alpenglück.

Schallrausch, Landschaftsradio,
Platten, Techno, Sonic.
Es fließt der Strom, aus seinen Quellen,
kommt weder Milch noch Honig.
Das schillernde Tonband,
zieht sich bis hinauf in die Spitzen,

komisch, wilde Strukturen,
wachsen aus dem kleinsten Bisschen.

Floureszierende Wolken entstehen aus
unbekannten Gasen,

kleben an den Wänden, werden vom Höhenwind zerblasen.
Auf einmal platzt das Massiv,
der Berg kommt in Bewegung,

die Tonleiter ist anders,
vom Beat kommt keine neue Regung.

Sägezahngebilde fügen sich an eckige Klanghaufen,
ungefiltert hat die Spannung
den Wiederstand durchlaufen.

Der Impuls geht weg, von der Maschine,
ans operative System,

es bleibt das Rauschen in den Ohren
als das einzige Emblem.

o.T. (one of sixty mini-compositions playable on each key), 2014

[06] Solweig de Barry


geboren 1987 in Straßburg/Frankreich, lebt und arbeitet in Berlin

Solweig de Barry ist von ihren Reisen nach Afrika, in den Nahen Osten und innerhalb Europas
inspiriert, auf denen sie fremde Kulturen kennenlernte. Sie wurde auf diesen Reisen auch Zeugin
von mitunter heftigen Konfrontationen, wie zum Beispiel bei ihrem 6-monatigem Aufenthalt in
Jerusalem. Dies hatte zur Folge, dass sich ihre bildliche Ausdrucksweise, auf der Suche nach
Harmonie, allmählich vereinfachte: Die Gesichter reduzieren sich auf Konturen, das
Gegenständliche flieht in die Abstraktion. Das Subjekt tritt hierbei häufig in den Hintergrund, so
dass der Betrachter aufgefordert wird, seine eigene Vorstellungskraft spielen zu lassen. Das
Spannungsfeld zwischen dem, was in ihren Bildern angedeutet wird, und dem, was es im Kopf des
Betrachters auslöst, ist der eigentliche Ort, an dem Solweig de Barry´s Arbeiten stattfinden.

Solweig de Barry

Ihre bildliche Ausdrucksweise ist stark von ihrer technischen Vorgehensweise beeinflusst: Nachdem
sie viel mit unkonventionellen Materialien experimentiert hat (Schellack, Backofenreiniger etc.),
arbeitet sie heute schwerpunktmäßig mit Ölfarben. In ihrer malerischen Forschung vereinfacht sich
der farbliche Ausdruck, da ihr die Komposition und der Gestus wichtiger sind. So manifestiert sich
ihr Verlangen nach Direktheit in der Malerei. Der manchmal beim Betrachter auftretende Eindruck
von Unvollständigkeit entspringt der Intention der Künstlerin, die Grenze zwischen dem
Unvollkommenen und der vollständigen Portraitierung auszuloten, und fungiert somit als ein
zusätzliches Mittel um den Rezipienten in einen Dialog mit dem Gemälde treten zu lassen.

Diese Absicht findet sich auch im Prozess ihrer Arbeit wieder. Man könnte glauben, dass ihre
Gemälde schnell gemalt wurden, aber dem ist nicht so: Jeder Pinselstrich entspringt einer genauen
Vorstellung, und wird gewissenhaft auf den Träger gesetzt.

2014 Meisterschülerin, von Prof Robert Lucander, UdK Berlin
2013 Absolventin UdK, Berlin.
2008-2014 Bildenden Kunst an der Universität der Künste, Berlin bei Prof. Robert Lucander
2011-2012 Bezalel, Academy of arts and design, Jerusalem, Israel.



Meisterschülerausstellung, UdK Berlin
Umwandlung UdK Berlin
Kaiserpanorama Pracht, Leipzig

Kammerflimmern Kammermusiksaal Friedenau, Berlin
Schau mal Schaufenster, Berlin
New West Berlin Melchiorstraße., Berlin
Absolventenausttellung, UdK Berlin
Nachschlag Uferhallen, Berlin
Quer UdK Berlin

ikametgâh kadiköy Istanbul, Türkei
Miss street no. 2 Jerusalem Israel
Miss street no. 1 Jerusalem Israel

17 Tage danach 129Gallery, Berlin
Veilchen Uferhallen, Berlin

Gnadenlos The Forgottenbar, Berlin
Umsetzen Freies Museum, Berlin


[06] Mehtap Akdemir


Mehtap Akdemir ist 1987 in Berlin geboren. Sie studiert seit 2012 an der Universität der Künste Berlin. Der Schwerpunkt ihrer künstlerischen Arbeit liegt in den Medien Malerei und Zeichnung. In ihrer aktuellen Werkreihe „MIMO“ verbindet sie Elemente der ungegenständlichen Malerei mit Zeichnung und Schrift.

ohne Titel, Acryl und Kreide auf Leinwand, 2014


2009 - 2012
Koordination und Organisation des Poesiefestivals „Poesiefrühling“
Bachelor of Arts in Philosophie, Humboldt-Universität zu Berlin
Master of Arts in Philosophie, Humboldt-Universität zu Berlin
seit 2012
Studium an der Universität der Künste Berlin
Wechsel in die Klasse Valérie Favre, Universität der Künste Berlin



[06] Zohar Fraiman


The Israeli artist Zohar Fraiman deals with the role of women in a society greatly influenced by
religion and tradition.

The question if possession really exists or is possession nothing but a fantasy of hidden desires is a repeating investigation in the artists work.


Barfly Bride, 80x 55 cm, oil on canvas, 2014

Zohar Fraiman was raised in a strict religious family, in the settlement of Hashmonaiim, Israel.
Throughout her current series she deals with the timeless Jewish folklore story of The Dybbuk. In
this classic folk story a bride stumbles on the day of her wedding upon a possessing spirit of a man
she once knew. She is immediately taken over by this possessing spirit (dybbuk), and the wedding
can not proceed without an intervention. There are many different versions and characters to this
story. Some versions end with the bride being redeemed from the dybbuk’s possessing. Yet in others
the bride chooses to ‘join’ the dybbuk and she commits suicide/perishes.

Associations with several films concerning this topic are a source of inspiration for the artist, such
as the wonderfully possessed Isabell Adjani in ‘Possession’ (1981, filmed in Berlin) and Roman
Polanski’s ‘Rosemary’s Baby’ in which Rosemary is brought to bare the son of Satan.

Short Vita:

in Jerusalem, Israel
School of the Museum of Fine Arts, Boston, Massachusetts
Master’s class, Jerusalem Studio School, Israel
Studies at Universität der Künste Berlin, Prof. Burkhard Held
Meisterschülerin Bildene Kunst, Universität der Künste Berlin, Prof. Burkhard Held

Selected exhibitions:

Devils and Brides, Tempelhof Museum, Berlin (Solo)
Was Wir Für Euch Entblößen, Galerie Queen Anne, Leipzig
ROTROTROT, Schaufenster, Berlin
Physis Projekt, Griechisches Botschaft, Berlin
Luxus+, Fluxus Museum, Potsdam
Physis, Veria, Greece
Marina Tel Aviv, Shiff Collection, Tel Aviv, Israel
Reise Nach Jerusalem, Artist House Jerusalem, Israel
Fraiman and Zukerman, Galerie Queen Anne, Leipzig
Reise Nach Jerusalem, Kunstraum Kreuzberg Bethanien, Berlin
Queen Anne Galerie, Leipzig
Saturn Returns, Galerie St. St., Berlin
Zu Gast Bei Connex, Connex Leipzig in cooperation with Galerie Queen Anne, Leipzig
Kra II, Gallery Musrara, Jerusalem, Israel
Kra I, Hakatze, Jerusalem, Israel
Transcriptions, Villa di Pieve, Umbria, Italy
ISA Gallery, Montecastello, Umbria, Italy
Last Round, School of Museum of Fine Arts, Boston, MA, U.S.A.


Dorothea Konwiarz Stiftung
The Elizabeth Greenshields Foundation grant
Full Studies Honor Scholarship, Jerusalem Studio School


Physis, Veria, Greece
Artist Residency, Villa di Pieve Umbria, Italy
International School Painting and Sculpture, Umbria, Italy


Reise Nach Jerusalem, Kerber Publishing
Shiff Collection Catalog
Kra II, The New Spirit Foundation
Kra I, The New Spirit Foundation




[06] Hermann Pigeon


Hermann Pigeon, geboren auf Martinique, hat in seiner auditiv-musikalischen Kunstform des Bonding Drum eine Zusammenführung von Schlagzeug und Perkussion entwickelt, die von nur einer Person parallel gespielt wird. In Rhythmus und Melodie, inspiriert durch karibische Klänge, macht er die unbewussten Bewegungen seines Inneren erfahrbar. Geleitet durch den Geist, gespürt vom Körper, setzt er seine leitenden Gedanken in musikalische Energie um. Bonding Drum als Kommunikation mit der Umwelt ist zugleich eine Teilung der Zeit  und eine Verdopplung der Wahrnehmung einer Quelle ästhetischen Ausdrucks. 

Hermann Pigeon



[05] Henrike Alsleben


1989 in Potsdam geboren und dort lebend

seit 2010 Studium der Bildenden Kunst auf Lehramt mit dem Zweitfach Grundschulpädagogik an der UdK Berlin

Künstlerische Techniken:
mixed media (Fotografie/ (Druck-)Grafik/ Installation)

Künstlerische Position:
Dazwischen. Zwischen Kunst und Pädagogik. Zwischen Materialien und Medien.

Bottle-Sound-Installation, 2013

Wie würdest Du deine Kunst beschreiben? Ich habe keine feste Linie, die ich verfolge. Im Moment ist meine Kunst noch im Entstehen und ich probiere unterschiedliche Techniken und Medien aus - darunter finden sich Grafiken, Fotografien, textile Arbeiten, Objekte und Sounds. Teilweise springe ich zwischen diesen Ausdrucksformen hin und her, was früher oder später Verwirrung bringt. Diese Verwirrung zwingt mich dann zum Verweilen oder zum Stillstand. Das sind allerdings die wichtigen Momente um zu schauen, wo momentan mein größtes Interesse liegt und woran ich wieder anknüpfen möchte.

Welche Themen verfolgst Du? Und welche verfolgen dich? Die Auseinandersetzung mit unterschiedlichen Materialien oder künstlerischen Techniken, die sehr viel Zeit und Muße in Anspruch nimmt, ist mein Thema.

Autodidakt oder Kunsthochschule? Studium der Bildenden Kunst auf Lehramt an der UdK Berlin.

Was ist das wichtigste Werkzeug für deine Kunst? Meine Hände.

Prozess oder Konzept? Wo startest Du? Wie entstehen deine Ideen? Angefangen habe ich mit Konzepten, die im Kopf entstanden sind und dann umgesetzt wurden. Momentan lasse ich mich eher auf den Prozess ein und schaue, was daraus entsteht.

Wann, wie und wo arbeitest Du? Ich arbeite am liebsten für mich allein. Da ich keinen eigenen Atelierraum habe, funktioniert meine Wohnung als Arbeitsraum am besten für mich. Künstlerisch arbeite ich nicht durchgängig sondern befinde mich ständig auf einer Berg- und Talfahrt. Dabei sind die Rastpausen im Tal länger als der Berg hoch ist.

Was wärst Du, wenn Du kein Künstler wärst? Ich fühle mich nicht als Künstlerin und finde diese Bezeichnung auch schwierig. Demnach würde ich bleiben, was ich jetzt bin - eine Person, die auf der Suche nach ihrem persönlichen Lebensweg Unterschiedliches antestet. Momentan zählt dazu unter anderem die Kunst, doch wie es zukünftig aussieht, weiß ich nicht.

Was ist Deine liebste Form? Alle Formen, welche die Natur hergibt, faszinieren mich. Spannend daran finde ich, dass sie sowohl im Kleinen wie im Großen vorkommen und sich alles in unterschiedlichen Dimensionen wiederholt.



[05] Andrea Barr


Andrea Barr is an artist originally from the US,currently living and working in Neukölln. Her work consists of anatomical and figural abstractions inspired by a range of imagery such as traditional anatomical illustration, images of flesh and meat, and documentations of dissections performed on both human and animal bodies.

She is simultaneously an artist, an art object (model), an anatomical researcher, and a patient. Her interest in employing such imagery is to explore the convergence between scientific and artictic uses of the body, specifically in the form of power dynamics between clinicians and artists and the bodies of their subjects/objects. Her work weaves together both active and passive perspectives and takes into consideration the complex and often paradoxical positionalities of the body.

Wie würdest Du deine Kunst beschreiben? anatomical, meaty, fleshy, provocative, disconcerting, visceral

Welche Themen verfolgst Du? Und welche verfolgen dich? I pursue themes of medecine, dissection, and butchery. I am pursued by the clinical gaze and images of corpses. 

Autodidakt oder Kunsthochschule? I taught myself while at art school.

Was ist dein künstlerischer Antrieb? I want to articulate a position, an observation, and a feeling. I cannot do this with words, so I must do it with paint.

Was ist das wichtigste Werkzeug für deine Kunst? I cannot begin a painting until I have a variety of references taped up around my workspace. Getting started, for me, is the hardest part; after the first few layers of the painting are complete, I generally ignore or discard the photos. 

Prozess oder Konzept? Wo startest Du? Wie entstehen deine Ideen? I would say it's 60% concept, 40% process. Th eidea behind the work is the most important, but the layering of the paint and the mode of expression is a close second.

Wann, wie und wo arbeitest Du? I work mostly in the studio at odd hours so that I can be alone and uniterrupted. My mind often goes in twenty different directions when I paint, so loud music is a must. It keeps me grounded and focused and it makes the proces more energetic and felt.

Was wärst Du, wenn Du kein Künstler wärst? I'd probably do something else that involved creativity and the body. An undertaker, perhaps?

Was ist Deine liebste Form? The shape of the Ilium.

Disciples, 2013
Disciples, 2013



[05] Arnim Hilgendorf


Arnim Hilgendorf (*1971) lebt und arbeitet in Berlin

1989 - 1990
ein Jahr USA, Einstieg in die Fotografie

1996 - 1997
Kameraassistent bei freier Produktionsfirma

1997 - 2004
Assistent bei Fotojournalist Christoph Otto

2001 - 2004
Fotografiestudium am Lette-Verein Berlin

Diplom bei Professorin Heike Ollertz
Diplom-Ausstellung "Klick_Haus" in Berlin
Fotografie aus Berlin /// Gruppenausstellung, Hanau, Historisches Museum Hanau

Auftragsprojekte & freie Projekte






[05] Christof Kraus



geboren am 11.10.78 in Erlangen
1998 erster handwerklicher Gesellenbrief
2005 zweiter handwerklicher Gesellenbrief
2009 handwerklicher Meisterbrief
seit 2009 Kunststudium
seit 2012 UdK Berlin
seit 2011 Studienförderung durch Stipendium
seit 2009 zahlreiche Ausstellungsbeteiligungen
 z.B.: Würzburg, Nürnberg, Weimar, Kassel, Berlin

Welche Themen verfolgst Du? Und welche verfolgen dich? Meinen rückblickenden Beobachtungen zufolge stellt sich bei mir ein erschreckend biografisches Werk ein. Da geht es um Kindheit, Jugend, eigener Wegepflasterei und natürlich dem zugehörigen Zeitgeschehen. Dabei sind Erkenntnisse auch Pflastersteine auf die man notwendigerweise tritt, manchmal schmeißt man die auch.

Autodidakt oder Kunsthochschule? Autodidakt an der Kunsthochschule? Gerade in einer Kunsthochschule an der Meinungen, Kritiken, Ratschläge usw. wie geballte Essenz verteilt werden und diese eben subjektiv von unterschiedlichen Standpunkten angeraten werden, kann es nur sinnvoll sein sich aus alledem seine eigenen Erkenntnisse zusammenzureimen, oder eher zusammenzuzimmern. Der verkannte Vorteil der Kunsthochschule ist natürlich der DIN A 4 Zettel auf dem schwarz auf weiß die Legitimation bescheinigt wird die eigenen Taten zu rechtfertigen, also auch schon mal nur juristisch gesehn.

Was ist dein künstlerischer Antrieb? Nachdem ich etliche Jahre lang vor meinem Kunststudium der ehrlichen Handarbeit in diversen Betrieben in der freien Wirtschaft tätig war und mein dortiger Aufenthalt im nachhinein eher unfreiwilliger Natur, da macht es für mich schon einen ernstzunehmenden Sinn die Kunst mit Freiheit zu begründen, wobei das dann aber jetzt nicht gleich den Zweck darstellen soll. Ein Antrieb in der Kunst ist finde ich auch, dass man „unendlich“ Wachsen kann in der Sache.

Was ist das wichtigste Werkzeug für deine Kunst? Im metaphorischen, oder wie? Das Werkzeug ist das Gehirn und der Moment wegen mir, Intuition ist auch ganz stark mit dabei, ist aber dann schon wieder nicht als greifbares Solches wahrnehmbar.

Prozess oder Konzept? Wo startest Du? Wie entstehen deine Ideen? Prozesshaftes Arbeiten und manchmal auch fixe Ideen sind mir am liebsten. Konzeptuelles arbeiten hat oft den Beigeschmack von „Kunst als Disziplin“, da könnte ich auch genausogut darüber nachdenken was ich jetzt alles so aus Kronkorken basteln könnte, z. B..

Wann, wie und wo arbeitest Du?  Meistens tagsüber. Musik wechselt sich ab. Im Atelier.

Was wärst Du, wenn Du kein Künstler wärst? Wagner, einer der Wagenräder herstellt.

Was ist Deine liebste Form? Medium? Also meiner Meinung nach hat die Malerei in der Kunst schon eine fundamentale Stellung. Also da wäre es schon schade da nicht weiterzumachen.



[05] Daniel Michael Johnson


Born 1978 in North Carolina, United States of America.  He grew up in Eastern and Central Europe and studied in Vancouver, Canada at the Emily Carr University of Art and Design, graduating with a BFA in 2005.  Johnson has been living and working in Berlin since 2010 with a concentration on painting and drawing.

Within the context of his work he is primarily concerned with notions which echo science fiction (less and less fiction as the years pass), theology (in all its wonderful contradiction), and the finer nuances of the human condition. He is continually fascinated by the clinical cruelty and savagery with which natural law governs the known universe.


 "...and if I sheltered somethin' evil", 2010, oil on canvas, 170cm x 240cm

Selected exhibitions:
Shelter somethin’ Evil, Knoth & Krüger, Berlin (2010)
Are you coming too? Knoth & Krüger, Berlin (2010)
Organic Structures, Theory Collective, Seattle (2009)
Our Future Ghost (Parts I & II), Fuel, Seattle (2008 & 2009)
Journey American Hero, Twenty20, Seattle (2007)
New Works, Gallery 1412, Seattle (2006)




[05] Lisa Peters


Lisa Peters beschäftigt sich häufig mit der Schnittstelle zwischen dem Einzelnen und der Gesellschaft, minimiert auf sichtbare und unsichtbare Grenzen. Sie interessiert sich für die Spuren, die hinterlassen werden, um dann die oftmals unsichtbaren Überbleibsel sichtbar zu machen. Körperlichkeit spielt in ihrer Arbeit eine wesentliche Rolle. Dabei geht es um die Veränderung, die ein menschlicher Körper durch An- oder Abwesenheit im Raum bewirkt.

Lisa Peters arbeitet und lebt in Berlin


Bruchstücke I-IV
Bruchstück I-IV, 2013, Beton und Stahl

Studium der Bildenden Kunst, UdK Berlin, Fachklasse Möbus

Parsons - The New School for Design, New York

Kunst- und Medienwissenschaft, HBK Braunschweig


Ursula Hanke-Förster und PreisträgerInnen der Ursula Hanke-Förster Stiftung, Galerie Villa Köppe, Berlin

A Retrospective of Tomorrow's Artists, Schillerpalais Berlin
LxBxHxMensch, Kulturpalast Wedding, Berlin

It's all about music, HBK Galerie, Braunschweig


Preisträgerin der Ursula-Hanke Förster Stiftung
Gewinn des 3. Preises bei "Durchgedreht 24" in Braunschweig




[01] Bruno Derksen



Inhalte in Kürze!

[02] Christian Werner


Christian Werner, 1983 geboren, absolvierte nach dem Jurastudium von 2008 bis 2011 ein Schauspielstudium am Europäischen Theaterinstitut Berlin (ETI) und arbeitet aktuell als freischaffender Schauspieler und Sprecher.


Christian Werner

Wie bist Du zur Kunst gekommen oder was hat Dich zur Kunst gebracht?
Wenn ich das wüsste...

Was ist dein künstlerischer Antrieb? Wie entstehen deine Ideen?
Jedes Gefühl kann ein sehr mächtiger Antrieb sein.

Ändert sich deine Meinung über Werke im Nachhinein?
Man sollte gar nicht versuchen Theater aufzuzeichnen, es wird einem nicht gelingen den Moment zu konservieren. Es ist immer wichtig sich uneitel mit seinem Spiel auseinanderzusetzen auch wenn sich selbst beim Spiel zu sehen sehr unangenehm sein kann.

[03] Christoph Lukas


Der Schatten ist das Licht in der Gestalt dessen, der es verstellt. (Graf Dürckheim)

Artist Statement: In meinen Projekten als freier Künstler, fotografiere ich seit vier Jahren mit einer Handykamera Momente, in denen ein Riss durch die sichtbare Welt geht und das Unsichtbare hervorblitzt. Bei meiner Arbeit lasse ich mich von einer intuitiven Wahrnehmung leiten und kann dadurch Kräfte dokumentieren, die oft erst in der Fotografie sichtbar werden. Es entstehen Aufnahmen von Strahlenkränzen, die an Darstellungen von göttlichen Erscheinungen in der traditionellen christlichen Ikonografie erinnern. Mittels Interpolation, also der Veränderung der Punkt- und der Farbdichte und der dadurch erzeugten Unschärfe, entstehen in weiteren Arbeiten abstrakte Konstellationen, die in der Fantasie der Betrachter neue Bedeutungen annehmen können. Besonders interessiert mich bei meiner Arbeit die aktuelle Annäherung der Forschungsergebnisse von Wissenschaft und jahrtausende altem Wissen, die beide von parallel bestehenden Welten berichten. Meine Arbeiten deuten die Möglichkeiten eines Übergangs von der einen in die andere Dimension an. Sie halten den Augenblick einer alternativen Wahrnehmung der Welt fest, bevor sie wieder entschwindet. Christoph Lukas


Christoph Lukas

[01] Felix Ritter



Inhalte in Kürze!


[05] Florian Erdle


Florian Erdle, geboren 1976.
Lebt und arbeitet in Berlin.
Ausstellungen und Projekte in Berlin, Istanbul und New York. Als Künstler tätig in den Bereichen Fotografie, Film und Ton. Als freiberuflicher Fotograf tätig für Print, Business und Privatpersonen.


Florian Erdle

[05] Gunnar Lahmann


Gunnar Lahmann, am 05.07.1979 in Kaiserslautern geboren, ist im "wahren" Leben SAP-Berater. Er lebt in Stuttgart und Berlin, arbeitet jedoch im gesamten Bundesgebiet. Die Fotografie hat ihn schon immer fasziniert - ernsthaft beschäftigt er sich damit seit 2008. Sein Hauptaugenmerk gilt dabei dem Raum, in dem Menschen wirken. Das können Orte in den Städten sein, die er - zum Teil privat, zum Teil beruflich - bereist, aber auch Kulturlandschaften, in die der Mensch eingreift.


Gunnar Lahmann

[03] Hye Won Choi


Artist Statement: Hye Won Choi möchte mit ihrer Kunst eine interessante und abwechslungsreiche Bildsprache bieten, die dem Betrachter eine Fülle von Entdeckungen bietet, und inhaltlich Einblick in die fragmentarischen Räume ihrer Erinnerungswelt gibt. Dadurch möchte sie erreichen, dass der Blick des Betrachters ständig in ihren Bildern wandert oder gegebenenfalls etwas verweilt.


Hye Won Choi

Wie würdest du deine Kunst beschreiben?
eine realistische Unrealität.

Welche Themen verfolgst du?
Erinnerung, Fragen, Traum.

Autodidakt oder Kunsthochschule?

Was ist dein künstlerischer Antrieb?

Was ist das wichtigste Werkzeug für deine Kunst?

Prozess oder Konzept? Wo startest du? Wie entstehen deine Ideen?

Wann, wie und wo arbeitest du? Tags/nachts? Still/mit Musik (welche?)? Atelier/zu Hause?
nachts immer mit Musik lieber im Atelier

Was wärst du, wenn du kein Künstler wärst?

Womit verdienst du deine Brötchen?

Was ist deine liebste Form?

[03] Hyeyoung Kim


Hyeyoung Kim, 1980 in Seoul (Südkorea) geboren, absolvierte ihren Master-Studiengang im Fach Freie Kunst im Jahre 2007 an der Korean National University of Arts in Seoul. Seit 2008 lebt und arbeitet sie in Berlin.


Hyeyoung Kim

Wie würdest du deine Kunst beschreiben?
Eine konstruktive Auseinandersetzung mit von Menschen produzierten Anhäufungen und der Natur in einer Gesamtschau

Welche Themen verfolgst du?
Flughaefen, Landebahnen und Rollfeldmarkierungen

Autodidakt oder Kunsthochschule?

Was ist dein künstlerischer Antrieb?
Reise, Film, Musik und Bibel

Was ist das wichtigste Werkzeug für deine Kunst?
Eigene Fotografien von Reisen

Prozess oder Konzept? Wo startest du? Wie entstehen deine Ideen?
Fotografien bilden den Anfang (Gegenwart), gefolgt von intuitivem Malen

Wann, wie und wo arbeitest du? Tags/nachts? Still/mit Musik (welche?)? Atelier/zu Hause?
Es kommt drauf an.
Was wärst du, wenn du kein Künstler wärst?
Eine Pilotin

Womit verdienst du deine Brötchen?

Was ist deine liebste Form?

Deine liebste Farbe?
Farben tropischer Fische (Ich kann nicht beschreiben.)

Welchen lebenden oder verstorbenen Künstler würdest du gern mal treffen?
Las von Trier, Sergei Rachmaninoff, Metthew Barney

Welches Werk/welcher Künstler begeistert dich?
zu viele

[03] Into


Gemeinsam performen ~YS~ und Martie Mc Flight für INTO auf eine Art, wie sie es zuvor nicht gemacht haben via Electrotracks + Gesang + Doumbec + Looper- und Synthperformance.
Inspiriert von Musikern mit meist tragischer Färbung wie The Knife, MintJulep, Portishead, Zola Jesus und Depeche Mode fühlen sie sich irgendwo zwischen TripHop, Minimal, Techno aber auch Synthiepop zuhause.

Martie MäcFly and YS


[01] Jason M. Benedict


Bildende Kunst

Inhalte in Kürze!


[04] Jeewi Lee


Jeewi Lee, geboren 1987 in Seoul/Korea, lebt und arbeitet in Berlin.


Hunter College of the City University of New York
seit 2008 Universität der Künste Berlin
seit 2009 Klasse Robert Lucander


Dorothea Konwiarz Ausstellung, Berlin
Rundgang 2012, UDK Berlin
Jungart – Gallery Weekend, Freies Museum, Berlin
No Comments, Iberart Galerie, Berlin
Unsichtbar, K-MB Berlin
Remarks, Schaufenster, Berlin
Group Exhibition, Blankspace Gallery, New York City, U.S.A
Jungart, Jungart 2011, Alte Münze Berlin
Sichtbarkeit, 129 Galerie, Berlin
Fermentation Primale, Brüssel, Belgien
Rundgang 2011, UDK Berlin
17 Tage danach, 129 Galerie, Berlin
Veilchen, Uferhallen Berlin
R.A.U.M 94, UDK Berlin
Give me five, Kopenhagen Galerie, Berlin
Rundgang 2010, UDK Berlin
Gnadenlos, Forgotten Bar, Berlin
Umsetzten, Klasse Robert Lucander, Freies Museum, Berlin
Geist III, Berlin
Geist IV, Berlin
Rundgang 2009, UDK Berlin
Yam, Contemporary Art Projects, Tokio, Japan


Dorothea-Konwiarz Stipendium
Jungart Preis in Malerei

artist statement: [Die Gesellschaft und ich]
Seit dem in der modernen Gesellschaft der Individualismus gefördert wird, haben wir oft den Gedanken auffallen und „anders“ sein zu müssen. Andererseits existiert auch eine Furcht davor. Die Urinstinkte der Menschen, die ich persönlich beobachtet und erlebt habe ist, sich unter einer Gruppe zu mischen und durch eine Anonymität Sicherheit zu ergreifen. Sich zu tarnen - nicht als “ich” sondern “einer von denen“. Wie Zebras sich unter die Herde mischen, damit ihre eigenen Streifen sich mit den anderen vermischen und die Konturen von einzelnen verschwimmen – um sich vor den Raubtieren zu schützen. Seit ich mit 5 Jahren Seoul verlassen habe bin ich viel gereist und habe oft meinen Wohnort gewechselt. Dabei habe ich festgestellt wie vielfältig und unterschiedlich jede Kultur und die einzelnen Gesellschaftsgruppen sein können und andere und mich dabei beobachtet wie man sich um anzupassen und einzuleben von seinem Umfeld prägen lässt.

Dadurch habe ich große Interesse an der Interaktion zwischen Menschen und an die Beziehung, die sich von einem Individuum zu seinem Umfeld entwickelt. Anpassen und einleben. Sie übertrug sich auch in meinen Arbeiten- Ich habe immer mehr Themen wie Tarnmuster bearbeitet und die Beziehung zwischen meinem Motiven und Hintergründen untersucht. Tarn- und Schutzmechanismen, die in der Natur auftauchen, und wir Menschen, die das System in die Gesellschaft übertragen, fand ich sehr anregend. Dadurch wurde ich auf das Beispiel in unserer Gesellschaft, das Camouflage Muster sehr aufmerksam. Gleichzeitig beschäftigen mich visuelle Aspekte, wie das „sehen“ und das „nicht sehen“ und die drei dimensionalen Dinge in zwei Dimensionen darzustellen. Ich fing an alles in einzelne Ebene über Ebene zu übersetzen. Weg von der politischen Bedeutung finde ich die Idee eines Camouflage Stoffes sehr ironisch und interessant. Die Natur, die keine bestimmte Form besitzt und keine feste Regeln hat und so unendlich viele Farben besitzt wurde von Menschen mit 3-4 Farben in 2 dimensionalen wiederholenden Form und Raster übersetzt. Mittlerweile werden Camouflage Muster oft sogar in der Mode, Design verwendet und mit der Wandlung zur Digitalen Zeit werden sie heutzutage in der Armee in Pixel Camouflage hergestellt.

[Existenz – Wahrnehmungsmoment]
Meine bisherigen Arbeiten sind auf vom Markt produzierten Muster Stoffen entstanden. Aus verschiedenen Ländern und Orten habe ich diverse Stoffe gesammelt und benutze sie als Maluntergrund. Ich spanne die Stoffe auf und „tarne“ die Motive rein. Dazu passe ich mich als Künstler im Malprozess meinen Materialien an. d.h. ich wähle die Farben die bereits auf dem Stoff existieren und übernehme die Formen und passe meinen Duktus an das Muster an. Ich möchte eine andere Art als die klassische Malerei ausprobieren wo die eigene Farbpalette und der individuelle Malstil vom Künstler am wichtigsten ist. Somit habe ich bei jedem Bild eine andere Mal-Art, wie ein Chamäleon, dessen Haut Töne sich ändern. Fragen über Sichtbarkeit, Unsichtbarkeit und ab wann etwas existiert, beschäftigen mich sehr. Existiert etwas nur, weil man es sieht und wahrnimmt? Auf dem ersten Blick wenn Betrachter meine Bilder sehen nehmen sie nur das dominante Muster wahr. Dann nach und nach entdecken sie eine Figur nach dem anderen. Manche Figuren „verschwinden“ sobald man konzentriert auf die anderen Motive schaut, andere wiederrum kann man sich nicht mehr „wegdenken“ wenn man sie einmal erkannt hat. Dabei weiß man, dass man am Anfang dachte es wäre nur ein Camouflage Oberfläche. Diese wechselnde interagierende Momente zwischen meinen Bildern und Betrachter sind sehr inspirierend für mich. Zur Zeit versuche ich weiterzugehen und die Tarnbeispiele und die Frage über „Sichtbarkeit und Unsichtbarkeit“ mehr in unserem Alltag zu finden. Beispielweise ist die Arbeit „Wilde Hühner“, gemalten bunte Hühner auf dem Berliner BVG Sitzpolsterstoff zu nennen.


[02] Julian Schwokowsky


Julian Schwokowsky wurde am 11.07.1984 in Sulz am Neckar geboren. An der Universität Leipzig studierte er Bildende Kunst Lehramt, um 2008 im selben Studiengang an die UdK Berlin zu wechseln. Seit dem Studium bei Prof. Valérie Favre. Teilnahme an den jährlichen Rundgängen der UdK Berlin 2009, 2010, 2011 sowie der Gruppenausstellung „Cpt. Kreisverkehr“ 2011. Seine Bilder, die in Acryl und Öl entstehen, drehen sich um die Auslotung der Möglichkeiten von Farbe als eigenständige Kraft.


Julian Schwokowsky
2011, 120 x 160 cm
Acryl und Öl auf Leinwand

Wie bist Du zur Kunst gekommen oder was hat Dich zur Kunst gebracht?
Ich glaube, sie war immer da.

Was ist dein künstlerischer Antrieb? Wie entstehen deine Ideen?
Meine Ideen entstehen nicht, sondern ich sammle sie quasi auf dem Weg ein. Da kann ein Foto sein, das mich fasziniert oder Musik oder die Ästhetik von Mülltonnen. Diese banalen Eindrücke aus der Bewegung streben danach, bildnerisch transformiert zu werden.

Welches Ereignis hat dich am meisten inspiriert? Gab es ein Schlüsselerlebnis für deine Kunst?
Peter Doig in der Londoner Tate Modern hat einen bleibenden Eindruck hinterlassen.

Ändert sich deine Meinung über Werke im Nachhinein?
Definitiv. Würden sie das nicht tun, hätte ich mich künstlerisch bzw. menschlich nicht weiterentwickelt.

Welche Botschaft sollen deine Bilder transportieren? Welche Wirkung möchtest Du mit Deinen Werken beim Betrachter hervorrufen?
Wenn der gedankliche Lärm im Kopf des Betrachters nachlässt und er mit dem Werk im Moment ist, funktioniert das Bild. Es ist von Vorteil, wenn der Betrachter das Bild nicht versteht. Dadurch, dass es keine kognitive Lösung für das Gesehene gibt, muss eine Weitung des Denkraums erfolgen. Im besten Fall nimmt der Betrachter einen anhebenden Effekt aus dieser Begegnung mit sich.

[04] Katharina Ira


Die junge Fotografin Katharina Ira wurde im Jahre des Mauerfalls in Berlin geboren. Ihr war schon relativ früh bewusst das sie visuell arbeiten wollte und somit begann sie nach dem Abitur das Studium an der Ostkreuzschule für Fotografie. Im Sommer 2013 beginnt sie dort ihre Abschlussarbeit unter Ute Mahler.

Artist Statement: Die Fotografie gibt mir die direkte Möglichkeit konkret meine Gedanken und Empfindungen mitzuteilen. Meine Bilder haben oft eine mystische Anmutung und es ist mein Anliegen, den Betrachter in eine traumhafte und surreale Wirklichkeit zu führen. Inspirieren lasse ich mich von meinen persönlichen Gefühlen, aus denen ich viel Kraft für meine fotografische Arbeit schöpfe.


Katharina Ira

"Der Blick aus meinem Fenster"

[02] Lena Ganssmann


Lena Ganssmann, geboren in Berlin, absolvierte 2006 ihren Bachelor-Studiengang in Fotografie am University College Falmouth, UK.


Lena Ganssmann

[04] Luca Vanello


artist statement: Considering objects and spaces forming our surrounding reality, with their specific shape and characteristics, as a consequence of specific political-cultural-social-historical-economic dynamics, the intention in my work is to perform a physical deconstruction of their materiality and at the same time a deconstruction of meaning.

The first phase, the deconstruction process, consists in withdrawing “sections of reality” (physical space surrounding us) or objects that are part of it and decomposing all the material elements they are made of. The goal is to try to get back to their original state: the form and condition of each material before undergoing the industrial process which culminated in their specific shape. The object is not destroyed; on the contrary, through a very controlled process it is reversed back to a “formless” state, where a new potentiality of its materials is made possible. The following phase consists in the re-information where the materials resulting from the deconstruction acquire a new form and consequently a new meaning. The act of specifically re-informing “elements of reality” is the will of re-appropriating it, creating a more intimate relation to it, and at the same time looking for its deeper conceptual analysis and criticism. Deconstruction is not to be confused with destruction, but it is a questioning aiming at the fundaments and which results in a reconstruction.

The objects or spaces in my work are usually selected based on their values and consequently on the values that their materials “carry”, such as in the site-specific work “Strip” (2012), where the focus is on a strongly symbolic space, the White Cube. The same is true in Memory Pill, where a photograph representing a personal memory is deconstructed and compressed into a capsule. It is during the deconstruction process that an extremely intimate, almost fleshy, relationship is established with the object. As the object is dissected, all its layers slowly reveal themselves through the efforts of an almost obsessive and time-consuming process which requires the constant development of new decomposing techniques. The resulting materials therefore have the effect of a creation and not of a destruction.

Giving a new shape to the reversed materials or inserting them into cycles which decide their form is a passing on of their original meanings and values and simultaneously the acquiring of new ones.

I am interested in the fragility and ephemerality of reality and at the same time in the possibility of finding ways of manipulating it, changing it, where it is not perceived anymore as the end result to accept but as raw material full of potential.


[04] Maike Brautmeier


Geboren am 3.Juli 1981 in Münster.
1998 bis 2000 Ausbildung zur Modenäherin bei Apriori. bis 2002: Fachabitur mit dem Schwerpunkte Gestaltung. 2003 bis 2007: Kunststudium mit Schwerpunkt Fotografie an der „AKI in Enschede“.
Während des Studiums macht sie einen Erasmus Austausch nach Spanien zur „Escuela d Árte de Superior de Disseny de Valencia“.
Seit dem Abschluss des Studiums 2007 lebt und arbeitet Maike Brautmeier als freie Fotografin in Münster und realisiert verschiedene Ausstellungen und Projekte im In- und Ausland.

artist statement: In meinen aufwendig inszenierten Bildern habe ich die Möglichkeit gefunden mein Interesse an bildender und darstellender Kunst zu verbinden. Ich kreiere mein eigenes, visuelles Theater - manchmal ein Drama, manchmal eine Komödie, manchmal auch beides zugleich - und setze mich mit Ernsthaftigkeit und Skurrilität mit dem Leben in seinen unterschiedlichsten Facetten auseinander. Dabei spiele ich gerne mit Klischees und Kontrasten und erzähle in meinen großformatigen, knalligen Fotografien szenische Fetzen, die den Betrachter inspirieren möchten, sich selbst seine Geschichte zu erzählen.


Maike Brautmeier

[02] Marc Siebenhüner


Marc Siebenhüner, 1989 in Bad Frankenhausen geboren, studiert seit 2008 Bildende Kunst an der Universität der Künste Berlin und evangelische Theologie an der Humboldtuniversität zu Berlin.

Seit 2009 studiert er in der Fachklasse für Malerei von Prof. Burkhard Held. Neben dem Studium nimmt er an Ausstellungen (zuletzt „Bomberlin“ in London, GB) teil und bietet ehrenamtlich an einer Berliner Gemeinschaftsschule eine Schülerarbeitsgemeinschaft für Bildende Kunst an.

In den holzschnittartigen Gemälden setzt sich Marc Siebenhüner u.a. mit traditionellen und modernen christlichen Lehren auseinander. Die Beschäftigung mit dem Zeitalter der Renaissance, und somit der Frage nach Religionszugehörigkeit und der rechten christlichen Lehre ist Grundlage seiner Arbeit. Eine wichtige Inspiration für die Werke bieten die Karikaturen und Illustrationen Cranachs d. Ä. und Dürers. Motive werden aus ihren Holzschnitten und Gemälden entnommen, umgeändert und in einen neuen Kontext innerhalb des Bildes gestellt.

Wichtig ist für Siebenhüner in seinem Werk die Hinterfragung der Notwendigkeit des Glaubens und des menschlichen Verhaltens.

facebook: Marc Siebenhüner


Marc Siebenhüner
2011, 160 x 282 cm
Öl, Acryl und Tusche auf Holz

Wie bist Du zur Kunst gekommen oder was hat Dich zur Kunst gebracht?
Der reine innere Antrieb forderte (und fordert) von mir, Kunst machen zu wollen. Dieser war es auch, der mich zur Kunst gebracht hat - er drängte mich nie in eine andere Richtung.

Was ist dein künstlerischer Antrieb? Wie entstehen deine Ideen?
Der Antrieb besteht darin, meine Gedanken meinen Mitmenschen mitteilen zu wollen. Das Kommunikationsmedium hierbei ist die Malerei, da ich sehr ungern schreibe und Gedanken schlecht in Worte fassen kann. Ein Bild kann das fassen und ausdrücken, wozu Worte nicht imstande sind. Meine Ideen entstehen im täglichen Leben: Gespräche, Lesen, Ausstellungsbesuche, Vorlesungen (, Aufräumen, U-Bahn-Fahrt ;-) )etc.

Welches Ereignis hat dich am meisten inspiriert? Gab es ein Schlüsselerlebnis für deine Kunst?
Jeder Moment inspiriert mich. Es gab nie ein besonderes Schlüsselerlebnis, was mich heute noch beeinflusst. Vielleicht aber die Entscheidung für das Studium der evangelischen Theologie. Ich möchte es nicht missen. Ohne sie wäre meine Malerei nicht das, was sie jetzt ist.

Ändert sich deine Meinung über Werke im Nachhinein?
Ständig! Schau ich eines meiner Bilder an, finde ich es im gleichen Moment gut oder einfach nur misslungen.

Welche Botschaft sollen deine Bilder transportieren? Welche Wirkung möchtest Du mit Deinen Werken beim Betrachter hervorrufen?
Meine Werke sollen den Betrachter zum Denken über deren Inhalte anregen. Er soll über den visuellen Weg immer neue Details und Szenen in den Bildern finden, sich auf diese einlassen. Diese Sequenzen anschließend im Zusammenhang betrachten. Vielleicht ergeben sich dann bei ihm immer neue Fragestellungen an das Bild und die Thematik, mit welchem es sich beschäftigt. Mich persönlich interessiert sehr der vermeintlich christliche Glaube: Ich versuche in vielen Bildern Standpunkte für, aber auch gegen ihn zu entwickeln. Ich stelle quasi den Glauben stets in Frage. Ein blinder Glaube (egal an was), der ja heutzutage leider uns zu oft im Alltag begegnet, ist für mich fatal. Ich weigere mich allerdings, dem Betrachter vorschreiben zu wollen, was er in den Bildern sieht oder welche Wirkung es bei ihm hervorrufen soll. Individuelle Zugänge empfinde ich viel spannender, als meine Meinung zu meinem Werk als Dogma erheben zu wollen.

[04] Marie Harten


Marie Harten
* 1979 in Kiel, Deutschland

02/2012 Master of Education, UdK Berlin
Fachklasse Prof. Ursula Neugebauer

Bachelor of Fine Art, UdK Berlin
Fachklasse Prof. Ursula Neugebauer

Auslandssemester, NICA-Stipendium, Chicago, Illinois, USA
Studiengang Studio Arts, UIC Chicago, School of Art and Design u.a. bei Julia Fish, Silvia Malagrino, Doug Ischar

Bildende Kunst, Universität der Künste Berlin
Deutsche Philologie, Freie Universität Berlin

Kunstgeschichte/Neue Deutsche Literatur, Christian-Albrechts-Universität zu Kiel

Die künstlerische Arbeit von Marie Harten zeichnet sich durch eine Vielzahl unterschiedlicher Medien und Materialien aus: Zeichnung, Fotografie, Video, Objekt, Installation. Schon früh beschäftigt sich die Künstlerin mit den Themen Biografie, Erinnerung und familiäres Erbe. Die Stärke ihrer Werke liegt darin, dass sie in ihrer Aussage nicht auf der Bedeutungsebene einer einzelnen Biografie verharren, sondern allgemeingültige Traditionen verbildlichen und diese hinterfragen.

In der Masterarbeit „DAS WAS BLEIBT“, 2012, arbeitet Marie Harten mit verschiedenen Alltagsgegenständen, die allesamt aus dem Nachlass ihrer Großeltern an sie übergegangen sind. Im Zentrum dieser Auseinandersetzung steht die Frage, inwieweit Erbstücke als allgemeines Kulturgut Biografien und Traditionen prägen können. Für die Installationen kombiniert die Künstlerin Möbel, Hausrat, private Fotos und andere Materialien auf unterschiedlichste Weise miteinander. Durch das Versetzen der Gegenstände aus ihrer ursprünglichen Umgebung und ihrer funktionalen Zuweisung in den Ausstellungsraum werden sie neutralisiert, so dass neue Bedeutungszusammenhänge generiert werden.

Marie Harten


Veröffentlichung im Kunstprojekt PUBLIC FOLDER: „GOLDEN RECORD“, Public Folder Issue # 3, by John Harten, www.public-folder.com

„Für immer jung. 50 Jahre Deutscher Jugendfotopreis“, 12. November 2011 bis 5. Februar 2012, Deutsches Historisches Museum, Berlin

Masterausstellung: „DAS WAS BLEIBT“, Universität der Künste Berlin

Group Show: „Von Inseln und Identitäten - Robinson und Freitag in Berlin“, Klassenausstellung, 2 Teil, Klasse Prof. Ursula Neugebauer und die Installationsklasse der HEAD (Prof. Katharina Hohman) Genf/Berlin, Skulpturenpark Mitte, Berlin

Group Show: „Von Inseln und Identitäten, Robinson und Freitag in Genf“, Gallery Live in your head, Geneva

Bachelorausstellung, Universität der Künste Berlin

Group Show: „Tape Modern No 2“, Berlin

Einzelausstellung: „Ghostfuck“, Reuben Kincaid Gallery, Chicago

Group Show: Reuben Kincaid Gallery, Chicago, USA

Group Show: „101 Painting Show“,The Co-Prosperity Sphere, Chicago, USA

Group Show: „Ausser Haus“, Ausstellung der Studenten der UdK

Veröffentlichung im Kunstprojekt PUBLIC FOLDER, Issue # 1 „Das Ich/ The me“, by John Harten, www.public-folder.com

Teilnahme an der Ausstellung des DJF-Sonderthemas: "Zurück aus der Zukunft", im Rahmen der Ausstellung der Berliner Festspiele: "Sieben Hügel - Bilder und Zeichen des 21. Jahrhunderts", 4. Mai bis 29. Oktober 2000 im Martin-Gropius-Bau

Gewinnerin des Deutschen Jugendfotopreis des Kinder- und Jugendfilmzentrums in Deutschland, in der Altersgruppe C

[01] Max Aristid Music




Flight of the Bumble Bee
 by Max Aristid

Max Aristid – Flight of the Bumble Bee / Der Hummelflug

Soundscape of Nature: Mit seiner Interpretation von »Flight of the Bumble Bee / Der Hummelflug«, transformiert Electro-Künstler Max Aristid die Klangwelt der Insekten in die »Soundscape of Nature«, einer Electro-Produktion, basierend auf Sequenzen aus der Komposition »Der Hummelflug« von Rimski Korsakow. Das besondere an der Komposition sind eigens aufgenommene Hummelgeräusche, die als Klangteppich das tragende Fundament der Komposition bilden. Durch die Brummgeräusche der Insekten entsteht eine nahezu mystische Stimmung, die das Bedrohliche und die Urgewalt der Natur betont.

Im Musikvideo wird die Natur auf künstlerische Weise mittels abstrakter, filigraner Strukturen interpretiert. Ein amorpher Partikelschwarm agiert zu den Schwingungen der Bass-Impulse und erschließt das visuelle Pendant zur Soundscape of Nature.

Thanks to: Bumble Bees

[02] Meike Kenn


Meike Kenn wurde am 15.10.1975 in Remscheid geboren. In Köln studierte sie Geschichte und Theaterwissenschaften und arbeitete parallel erstmalig bei verschiedenen Fotografen. Im Jahr 2000 der Wechsel nach Berlin und die Ausbildung an der Lette-Schule bis 2004. Teilnahme an diversen Ausstellungen in Berlin und Düsseldorf, arbeitet und lebt heute in Berlin. Seit Februar 2011 besucht sie die Meisterklasse von Arno Fischer, die nach dessen Tod von Werner Mahler fortgeführt wird. Ihr größtes künstlerisches Interesse in der Fotografie ist der Versuch komplexe Geschichten in einem Bild zu erzählen. In der Regel arbeitet sie an dieser Stelle analog mit ihren Mittelformatkameras.


meike kenn

Meike Kenn
"Chez Gino"
2009, Aufnahmeformat: Mamyia RB, 90mm
In der SCHAU02 wird es Teil eines Triptychons sein.

Wie bist Du zur Kunst gekommen oder was hat Dich zur Kunst gebracht?

Was ist dein künstlerischer Antrieb? Wie entstehen deine Ideen?

Welches Ereignis hat dich am meisten inspiriert? Gab es ein Schlüsselerlebnis für deine Kunst?

Ändert sich deine Meinung über Werke im Nachhinein?

Welche Botschaft sollen deine Bilder transportieren? Welche Wirkung möchtest Du mit Deinen Werken beim Betrachter hervorrufen?

[04] Mónica Araus


Mónica Araus (*1980, Santiago de Chile)
Studium Audiovisuelle Kommunikation mit Schwerpunkt Fotografie in Santiago de Chile. Dozentin für Fotografie und Film am Institut DuocUC in Santiago de Chile. MA Art in Kontext an der Universität der Künste Berlin mit Schwerpunkt künstlerische Arbeit mit gesellschaftlichen Gruppen und kulturellen Institutionen. Seit 2008 lebt und arbeitet sie als Fotografin, Kamerafrau und im Bereich der Kunstvermittlung. Sie beschäftigt sich seit 2010 mit einer künstlerischen Forschung über den "gelernten" geografischen Raum.

artist statement: Die Erfahrung mit Bildungsinstitutionen und ihren „hidden curriculum“ hat mich dazu bewegt, Lernprozesse zu untersuchen. Durch meine künstlerische Arbeit versuche ich, diese kritisch zu hinterfragen und Menschen einzuladen, darüber nachzudenken und zu diskutieren. Ich untersuche zur Zeit partizipative Momente in informellen sowie formellen Bildungsinstanzen.

Mónica Araus


Beim "collective mapping" handelt es sich um eine partizipative Arbeit, welche versucht, eine kollektive alternative Kartografie in einem bestimmten Kontext zu erzeugen, welche die gängigen geografischen Konventionen in der modernen Kartografie hinterfragt und dem Menschen gleichzeitig ermöglicht, sich mit seinem eigenen Verständnis oder eigenen Vorstellungen davon, durch einen performativen Akt, auf der Erdkugel zu positionieren. "collective mapping" ist im Kontext meiner Zusammenarbeit mit Land-Institut entstanden. Land-Institut ist ein offenes Forum für künstlerische Forschung, welches im Jahr 2010 von einer Künstlerinnengruppe in Berlin gegründet wurde. Ihre Arbeit konzentriert sich auf die Erforschung des Konzeptes „Land“, entlang verschiedener Grenzen und Positionen und mit Hilfe der Erkundung unterschiedlicher Perspektiven.

Mehr Info: »www.land-institut.org«

[03] Raum 149


X : sequencers and soundscapes
Y : uranian basslines
Z : human-like voice

Nicolas Languillè


[02] Rouven Materne


Rouven Materne, am 09.06.1988 in Berlin geboren und aufgewachsen, studiert seit 2008 Kunst auf Lehramt/Studienrat mit dem 2. Fach Geschichte und Ethik an der Universität der Künste Berlin.

2011 wechselte er zur Freien Kunst, blieb aber in der Klasse von Leiko Ikemura. Mit dieser Klasse stellte er in Leipzig ("DRAGONZ,COME OUT TO PLAY"; Galerie Queen Anne Tapetenwerk) und Berlin (Eröffnung der Galerie Nathan Koestlin) aus, sowie bei den letzten 3 UdK-Rundgängen.

Momentan arbeitet er mehr und mehr mit der Lithografie, außerdem in Objekten, Zeichnungen und Illustrationen. Bei seinen Objekten arbeitet er mit Nägeln, Holz - mit rohen Materialien.

Wie bist Du zur Kunst gekommen oder was hat Dich zur Kunst gebracht?
Ich habe schon immer gezeichnet. In meiner Kindheit war es etwas sehr Spielerisches, was durch meine Familie stets unterstützt wurde. In den folgenden Jahren wurde die Zeichnung immer wichtiger und persönlicher. Zudem kam in meiner Jugend, durch Berlin geprägt, Graffiti hinzu. Durch meine eigenen figurativen Zeichnungen, durch das Interesse meiner Mutter an Kultur und durch die Graffitikultur in Berlin war die kreative Auseinandersetzung zwischen mir und meiner Umwelt für immer ein Thema. Das Interesse an der Kunst an sich und wie man sich selbst am besten ausdrücken kann, wuchs und wurde so zum Mittelpunkt meiner selbst. So wurden aus Zeichnungen Bilder, Objekte, Lithografien und natürlich blieb die Zeichnung. Es ist ein Drang, ein Bedürfnis und eine Pflicht für mich, meine innere Welt auf diese Weise auszudrücken.

Was ist dein künstlerischer Antrieb? Wie entstehen deine Ideen?
Die Grundlage meiner Arbeit bin, denke ich, ich. Ich nehme mir kein direktes Thema oder eine Problematik vor um das auszuarbeiten. Vielmehr ist es eine persönliche Auseinandersetzung mit Einflüssen von außen, mit intimsten Ängsten und Wünschen. Mein Antrieb ist das Gefühl, mich irgendwie nur so in diese Welt eingliedern zu können.

Welches Ereignis hat dich am meisten inspiriert? Gab es ein Schlüsselerlebnis für deine Kunst?
Ich denke nicht, dass es ein Schlüsselerlebnis gibt, das einen Menschen dazu bringt, sich nun auf kreative Art mit diesem Erlebnis auseinanderzusetzten. Ich denke vielmehr, dass man dieses Verlangen, sich auf diese Weise auszudrücken, in sich trägt und es vielleicht Momente gibt, die die Arbeit prägen. Aber diese Momente lösen die Arbeit nicht aus, sie prägen sie nur, weil sie den Menschen prägten.

Ändert sich deine Meinung über Werke im Nachhinein?
Meine Meinung über meine Arbeit verändert sich ständig. Ich arbeite prozessiv und lasse den Zufall gerne mit einfließen. Natürlich gibt es Werke die einen erst sehr ansprechen und nach einiger Zeit ihre Wirkung für einen selbst verlieren. Doch so etwas ist schon fast tagesformabhängig. Denn morgen fühle ich vielleicht nicht mehr wie heute, dafür aber übermorgen wieder.

Welche Botschaft sollen deine Bilder transportieren? Welche Wirkung möchtest Du mit Deinen Werken beim Betrachter hervorrufen?
Ich habe nicht die Absicht eine Botschaft zu vermitteln. Ich hoffe/möchte einfach, dass der Betrachter berührt wird. Egal wie. Wenn jemand sich in z.B. einer meiner Lithos verliert und die dargestellte Welt versteht, ist das genauso schön wie wenn jemand das zwar nicht nachvollziehen kann, aber trotzdem Interesse hat, weil er es eben nicht versteht. Doch arbeite ich nicht mit dem Gedanken es irgendjemandem rechtzumachen.

[02] Seungyoun Lee


* in Seoul, Südkorea


Kunst und Medien
Meisterschüler-studium bei Prof. Maria Vedder an der Universität der Künste Berlin, Deutschland (Abschluss Meisterschülerin)

Kunst und Medien - Schwerpunkt mit Medienkunst und Film an der Universität der Künste Berlin, Deutschland (Abschluss mit besonderem künstlerischen Erfolg)

2005- 2006
an der Hochschüle für Grafik und Buchkunst Leipzig, Deutschland

Hauptfach - Bildhauerei
Nebenfächer - Malerei, Kunstgeschichte
an der Ewha Frauen Universität, Seoul, Südkorea


-Der Traum, Neue Galerie, Medienhaus der UDK, Berlin, Deutschland
-The Frozen Forest, Art forum Rhee, Bucheon, Südkorea

Ausstellungen (Gruppen Ausstellungen) und Film Festival/screening Auswahl

-Schau02, Betahaus, Berlin, Deutschland
-Water Tower Art Fest, Sofia, Bulgarien
-Projekt O in Stuttgart, Stuttgart, Deutschland

-Kunstinbetrieb 3, Halle, Deutschland
-LOCALIZE - Potsdams Festival für Stadt, Kultur und Kunst, Potsdam, Deutschland
-Gaza´s International Festival for Video Art, Gaza, Israel

-Spirits, Stadtbad Wedding, Berlin, Deutschland
-Festival "Blind Spot" Klang in Film und Video
(Video Screening und Video Installation für das Live Konzert mit Ensemble der Hochschule für Musik Hanns Eisler Berlin), Berlin, Deutschland

-´Babel´ babylon, mythos und wahrheit, (Die Finalisten Ausstellung von der 1. Internationaler Bibliartes Wettbewerb für Neue Medien), in Pergamonmuseum, Berlin, Deutschland
-I see you, Jerusalem film festival, Israel

-Link, Berlin, Deutschland
-I see you - Zusammenarbeit zum Thema ´The language of the arts and intercultureal dialogue´ durch ELIA(The European League of Institutes of the Arts), Film screening in cinema massimo in Torino, Italien

-Sicherheit und Unsicherheit, Leipzig, Deutschland

Residency, Preis und Stipendien

Residency Utopia Parkway Stuttgart, Stuttgart, Deutschland

Studienabschlussstipendium des DAAD, Deutschland


Wie bist Du zur Kunst gekommen oder was hat Dich zur Kunst gebracht?
Das war sehr natürlich. Ich erinnere mich daran, dass es mir schon als kleines Kind mehr Spaß machte zu Hause zu zeichnen, als draußen zu spielen. Daher hat meine Mutter immer viel Papier in der Ecke im Wohnzimmer gelassen, damit ich immer zeichnen konnte. Ich habe bereits in der Grundschule damit angefangen, ins Atelier zu gehen und mich intensiv mit Zeichen- und Maltechniken zu beschäftigen. Daher habe ich nie daran gezweifelt, dass ich irgendwann Künstlerin werden würde.

Was ist dein künstlerischer Antrieb? Wie entstehen deine Ideen?
Ich interessiere mich für literarische, philosophische Themen. Wenn mir eine Idee einfällt, dann suche ich ähnliche Themen aus Literatur, Philosophie, Pyshologie, usw. Damit füge ich unterschiedliche Ansichtspunkte in meine Arbeit ein, die ich vorher vielleicht noch nicht gekannt habe.

Welches Ereignis hat dich am meisten inspiriert? Gab es ein Schlüsselerlebnis für deine Kunst?
Die Videoarbeit hat mich von den räumlichen Bedingungen befreit. Erst als ich mit den bewegten Bildern angefangen habe, hatte ich Interesse daran, poetische und abstrakte Videos aus Gegenständen und mit der Natur zu gestalten. Der Arbeitsprozess war für mich wie ein Zauber, weil ich abstrakte bewegende Bilder aus normalen Gegenständen gestalten konnte. Mittels der Videoinstallation war es sogar räumlich möglich, eine irreale Situation im Raum ungewöhnlich wiederzugeben und erleben zu können.

Ändert sich deine Meinung über Werke im Nachhinein?
Klar. Die Idee entwickelt sich immer während des Prozesses.

Welche Botschaft sollen deine Bilder transportieren? Welche Wirkung möchtest Du mit Deinen Werken beim Betrachter hervorrufen?
Meine Arbeit vermittelt keine bestimmte Botschaft. Ich versuche für den Betrachter eine irreale Situation im Raum zu schaffen, durch die ich ihn führen kann. Ich möchte dem Betrachter neue Ansichtspunkte geben, in ihm neue Gedanken erwecken, oder ihn gar in neue Dimensionen führen, welches durch meine Arbeit ermöglicht wird.

[04] Suhwan Choi


Bildende Kunst

Inhalte in Kürze!

[02] Ucha Janelidze


geb. 16.01.1979 in Tskhaltubo, Georgien
Disziplin, Techniken: Bildhauerei, freie Kunst

Ucha Janelidze

Ucha Janelidze
"Recreation of Adam"
2008, 278 x 75 x 140 cm
Acrystal Gips, Farbe


Oktober 2010
z.Z. Universität der Künste Berlin, Fachrichtung Freie Kunst

Oktober 2007 – Juni 2008
DAAD-Stipendium, Kunstakademie Münster, Klasse Katharina Fritsch, Gaststudent, Fachrichtung Freie Kunst

Oktober 2004 – Februar 2007
Staatliche Kunstakademie für Bildende Künste Tiflis, Fachrichtung, Bildhauerei


März 2010 – Februar 2011
Projekt “Interaction: Artist – Audience. Different realities”. Deutschland - Georgien
Projektförderung durch “Arts and Culture Network Program” der Open Society Foundation

Oktober 2006 – Juli 2007
„Versuchslaboratorium“, ein Projekt im Bereich Freie Kunst, Staatliche Kunstakademie für Bildende Künste, Tiflis, Georgien

April 2005 – Juli 2006
Kreative Fabrik, Mitarbeit in einem Kampagne-Projekt. Tiflis, Georgien

Januar 2005 – Februar 2006
Das Studentische Forum, Gründer und ehrenamtlicher Mitarbeiter. Tiflis, Georgien


Dezember 2010
Personalausstellung in “Academia +”, Tbilisi, Georgien
im Rahmen des Projekts “Interaction: Artist – Audience. Different realities”

Juli 2010
Teilnahme am Rundgang an der Universität der Künste Berlin, Deutschland
im Rahmen des Projekts “Interaction: Artist – Audience. Different realities”

Februar 2008
Teilnahme am Rundgang der Kunstakademie Münster als DAADStipendiat, Münster, Deutschland

Oktober 2006
Gruppenprojekt „Teppanyaki“ bei der internationalen Ausstellung „Art-Kaukasus“, Tiflis, Georgien
Mai 2006
Personalausstellung „Wenn wir Übel halten wollen, sollen wir Leben halten“ (Swami Vivekananda) an der Staatlichen Kunstakademie für Bildende Künste, Tiflis, Georgien

Oktober 2005
Gruppenprojekt “Der zweite Körper” bei der internationalen Ausstellung „Art-Kaukasus“, Tiflis, Georgien

Juli 2005
Freie Ausstellungen an der Staatlichen Kunstakademie für Bildende Künste Tiflis, Georgien

März 2005
Aussellung im Literarischen Museum, Tiflis, Georgien

April 2004
Gruppenausstellung „Wingi“ in der Staatlichen Iwane-Dschawachischwili-Universität, Tiflis, Georgien


Wie bist Du zur Kunst gekommen oder was hat Dich zur Kunst gebracht?
Viele Menschen mögen als Kinder malen oder basteln. Dieses künstlerische Streben von meiner Kindheit ist Bei mir nicht gestorben, so mache ich bisher Kunst.

Was ist dein künstlerischer Antrieb? Wie entstehen deine Ideen?
Meine Wahrnehmung, meine Gedanken drucke ich in meinen aus. Also Inspiration kommt sowohl von Ihnen als auch von Außen.

Welches Ereignis hat dich am meisten inspiriert? Gab es ein Schlüsselerlebnis für deine Kunst?

Ändert sich deine Meinung über deine Werke im Nachhinein?
es passiert immer.

Welche Botschaft sollen Deine Werke transportieren? Welche Wirkung möchtest Du mit Deinen Werken beim Betrachter hervorrufen?
Ich versuche das, was ich erlebt oder gedacht habe in meinen Arbeiten auszudrucken und zu einer Diskussion als Gesellschaftsmitglied bringen. Ich hoffe, dass meine Werke auch die Zuschauen anregen über die gleichen oder auch anderen Themen nachzudenken.

[01] Virginia Garfunkel


1979 in Carúpano, Venezuela, geboren, zog sie 1983 nach Buenos Aires. Dort nahm sie 2000 ihr Studium Experimentation and Direction an der National School for Cinematographic auf. Zeitgleich begann sie den Studiengang Fototechnik an der School for Creative Photography Andy Goldstein, wo sie 2002 ihren Abschluss als Fototechnikerin erwarb.
2005-2010 studierte sie Visuelle Kommunikation an der HTW Berlin.
Heute lebt und arbeitet sie in Berlin.


[03] Wanda Stang


Wanda Stang wurde am 17.07.1985 in Bad Saarow (Brandenburg) geboren. Sie begann 2002 ein Malereistudium an der Schule für bildende Kunst „Atelier Dodekaeder“ (Baden Württemberg). 2005 erhielt sie den Abschluss mit Diplom für Kunstmalerei und pädagogischem Abschluss für Waldorfschulen. In einem weiteren Studium zur Flächen- und Textildesignerin (2007-2012) versucht Wanda Stang eine Brücke zwischen Mode und Kunst zu schlagen. In ihren Arbeiten werden vielfältige Medien und ihre Ideen verarbeitet, die zu einem modernen surrealistischen Gesamtwerk wachsen.


Wanda Stang

Wanda Stang
"Der Traum und Magd"
2012, Malerei, Digitaldruck, 98cm x 53cm

[02] Youngi Jaster


freischaffende Künstlerin und Modedesignerin


Youngi Jaster
"Brandenburg Gate"
1990, 120 x 150 cm

[01] Yukazu


Im Zug zwischen Belgrad und Paris treffen sich vier Berliner, deren musikalische Herkunft aus allen Himmelsrichtungen stammt.
Die Instrumente im Gepäck beginnen sie sich die Zeit zu vertreiben und begreifen schon bald, dass ihre Reise ein gemeinsames Ziel bekommt, dessen Ende sie nicht kennen, dessen Weg jedoch zu einer unausweichlichen Verpflichtung wird, die in der Energie des Moments liegt.

Yukazu ist die Chansonstimme eines lebenslustigen Bürgersteigmädchens auf der Suche der Balkanseele, mal von der frechen Klarinette mit Klezmersounds umspielt, mal schwebend wie auch fanfarenartig getragen durch die warme Bassklarinette.

Getrieben werden diese durch Gitarren off beats, virtuosen Soli zwischen Ungarn und Griechenland und dem immer während lebendigen Hämmern des Polkabasses und seinem alten guten Freund, dem Schlagzeug. Die Schnittmenge ihrer Stile: Chanson-gypsy-pop!

Lena Krüger: Voc, Guit., Akkordeon
Franziska Orso: Voc, Clarinett, Bassclarinett
Mike Hermann: Guit, Voc
Tobias Fleischer: Doublebass



[01] ZWEItens


Das sind die Sängerin und Schauspielerin Luise Schnittert zusammen mit ihrem Bühnenpartner Felix Raffel am Klavier.
Während Luise Schnittert als Jazzsängerin ihre Laufbahn auf der Bühne begann, ist Felix Raffel besonders als Filmmusiker und Komponist aktiv. Das Duo traf sich auf der Improtheaterbühne „Ratibor“ bei den „Gorillas“ in Berlin und gibt nun das erstemal, nicht improvisiert, einen Einblick in ihr neustes Programm „Marlene“ zum besten.


Luise Schnittert

Felix Raffel